L'ANGOLO DEL DESIGN: SMART MATERIALS E LORO APPLICAZIONE

di Mattia Fossati

Il mondo è in costante movimento, il cambiamento si fa sempre più veloce, e la tecnologia, parte integrante della nostra vita, è diventata indispensabile ed ha aperto, in tutti i campi, nuove strade di cui non si vede la fine.
Il settori del design e dell’architettura si sono avvalsi da sempre (e sicuramente hanno contribuito) dello sviluppo tecnologico, in particolare di quello dei nuovi materiali e delle correlate tecniche di produzione.
Da qualche anno a questa parte hanno assunto crescente importanza (in ambito progettuale) i cosidetti “Smart Materials”, materiali altamente performanti in grado di fornire prestazioni al di fuori della norma ; questi materiali diventano “furbi” grazie alla loro particolare composizione, all’additivazione di sostanze o altri materiali, o ancora, grazie all’inclusione, al loro interno, di dispositivi digitali.
I materiali riconducibili alla categoria “smart” sono tantissimi e le applicazioni nel campo del design ed in generale della progettazione sono praticamente infinite.
Basti pensare ai materiali piezoelettrici, che creano energia quando compressi, ai materiali a memoria di forma, che tornano sempre alla forma di partenza o a quella che l’utente ha voluto imprimere; a quelli che tengono sotto controllo il Ph, piuttosto che la temperatura corporea o la sudorazione, oppure a quelli antibatterici ed antiodore (solitamente grazie all’inclusione di ioni d’argento); o ancora i vetri autopulenti (grazie alla presenza di biossido di titanio). Ed infine, quelli di cui mi occuperò nello specifico, e che si prestano ad applicazioni più “giocose”, i materiali che includono inchiostri termocromici, capaci di cambiare colorazione in base alla temperatura e di tornare allo stato originario quando la reazione finisce.
Negli ultimi tempi si sono confrontati con questi materiali centinaia di designer, dai più blasonati ai più sconosciuti; i risultati non sempre sono stati esaltanti ma sicuramente hanno contribuito ad aprire nuovi scenari e nuovi mondi rispetto alle capacità emozionali che coinvolgono un determinato materiale ed il rapporto tra l’utente ed esso.
Basti pensare al cemento “Solid Poetry” creato da S. Happle e F. Molenschot, del gruppo olandese Droog Design, gruppo già molto noto per l’attività di ricerca che svolge e per oggetti diventati, nel corso di pochissimi anni, dei “classici” come la “85 Lamps” o la “Milk Bottle Lamp”.
Il cemento creato dai due designer reagisce a contatto con a pioggia ( e più semplicemente con l’acqua) lasciando apparire una texture floreale, serigrafata direttamente sul cemento con inchiostro termocromico.
Altro prodotto degno di nota, anche se ancora in fase di sviluppo, che sfrutta lo stesso principio, è la tovaglia “Underfull” della designer Kristine Bjaadal, designer che da sempre si occupa, più che della linea di un prodotto, dell’esperienza che esso è in grado di regalare all’utente.
La tovaglia in questione ripensa e ridisegna completamente le dinamiche che ruotano attorno al classico incidente da tavola: rovesciare bibite, acqua, vino, ecc…..
Quando una bevanda viene rovesciata sulla tovaglia compare una texture rappresentante delle farfalle che trasforma quindi l’incidente in un’esperienza affascinante e divertente.
L’artista Shi Yuan, invece, ha creato, grazie a questa tecnologia, una carta da parati con rappresentato un fiore, che si apre e si chiude a seconda della temperatura della stanza.
Di esempi di questo tipo ce ne sarebbero ancora molti ed altrettanti prodotti dello stesso genere sono probabilmente in fase di sviluppo nel momento stesso in cui scrivo.
Non resta che rimanere in osservazione per capire fino a che punto ci si potrà spingere per regalare nuova espressività e brio a oggetti e materiali di tutti i giorni, e fino a che punto si potrà sfruttare quest’”intelligenza” che stiamo dando ai vari sopracitati materiali per migliorare a nostra vita e quella degli altri.



by Mattia Fossati

The world is in constant motion, the change is getting faster, and technology, an integral part of our lives, has become essential and has open in all fields, new roads for which no end in sight.
The fields of design and architecture have always used (and certainly contributed) technology development, especially with the use of new materials and their related production techniques.
For some years now have taken on increasing importance (within design) the so-called "Smart Materials", high performance materials able to provide services outside of the norm, these materials become "Smart" because of their special composition of substances or for their additivity with other materials, or through the inclusion, within them, of digital devices.
The materials linked to the "smart" are lots and the applications in general design are virtually endless.
Just think of the piezoelectric material, which create energy when compressed to Shape memory materials, which always return to the initial form or that the user wished to impress, to those that control the pH, rather than the body temperature or perspiration, or those antibacterial and odor (usually through the inclusion of silver ions); or even the self-cleaning glass (thanks to the presence of titanium dioxide). And finally, those of which I will deal specifically, and that lend themselves to more "playful" applications, the materials include thermochromic inks, able to change color according to temperature and return to the original state when the reaction ends.
Recently, hundreds of designers played with the features of this materials, from
the most renowned to the most unknown, and the results were not always exciting, but they certainly helped to open new scenarios and new worlds with emotional capacities that involve a material and the relationship between you and it.
Just think of the concrete "Solid Poetry" created by S. Happle and F. Molenschot of Dutch group Droog Design, the group already well known for its research activities placed and objects become, in the course of a few years, "classics" (as the "85 Lamps" or "Milk Bottle Lamp").
Cement created by two designers react with rain (and more just with water) open up to reveal a texture of floral silkscreen directly on cement with thermochromic ink.
Another product worth mentioning, although still under development, which exploits the same principle, is the cloth "underfull" of designer Kristine Bjaadal, who always takes care rather than a product line, the experience that the object it's able to give you.
The cloth in question completely rethinks and redesigns the dynamics revolve around the classic incident table: overthrow drinks, water, wine, etc ... ..
When a drink is reversed on the tablecloth displays a texture representative of the butterflies which then turns an accident into something fascinating and fun.
The artist Shi Yuan, however, has set up, thanks to this technology, a paper wall represented by a flower that opens and closes depending on the room temperature.
Probably still many products of the same kind are being developed at the same time I write.
All that remains is to observe and see how far we can push to give new expression to objects and materials of all days, and how far we can exploit this 'intelligence' that we are giving to the various aforementioned materials to improve our lives and that of others.

THE COURTEENERS - FALCON

Ci troviamo davanti al secondo disco dei mancuniani Courteeners, pupilli di sua maestà Morrissey.
Il carisma strafottente del frontman di questo gruppo (di stampo marcatamente gallagheriano, come del resto il suo look) è sempre stato un arma a doppio taglio. Liam Fray, infatti, per via della sua genuina strafottenza, tende a generare enormi attese nei confronti delle uscite discografiche della band, che vengono poi puntualmente disattese. Chiariamoci subito. St Jude, debutto discografico dei Courteeners, non era affatto un brutto album. Era molto diretto, e con alcuni singoli azzeccati. Esso si accodava allo stile di numerosi gruppi brit-rock dell’epoca, ma non aveva né la verve, né la maturità necessaria per ergere i Courteeners a nuovi messia di Manchester, come troppe riviste avevano predetto.
Questo Falcon sembra invece un album meno di pancia, che vorrebbe essere più maturo e ragionato.
Le sonorità del gruppo sembrano cambiate e i pezzi sono molto più soft e hanno spesso parti a pianoforte. Diversi sono gli arrangiamenti orchestrali e i pezzi più anthemici, che strizzano l’occhio agli ultimi Elbows, mettendo da parte i riff alla Libertines che caratterizzavano l’esordio con l’intento di abbracciare una platea stadium-indie e una credibilità maggiore. Il loro intento è, però, riuscito solo in parte.
Come succedeva già in St Jude, i primi pezzi del disco hanno una marcia in più. Il brano di apertura è, ad esempio, forse il migliore del disco. Parlo del maestoso The Opener, che già dalle prime strofe si mostra come una doppia dichiarazione di nostalgia e amore rispetto a Manchester e una ipotetica donna che vive lontano da questa città. Il rispetto e l’ammirazione della band verso l’ambiente che gli ha dato i natali è un tema ricorrente in parecchi pezzi dell’album, ma d’altronde i Courteeners sono veramente osannati dalle folle della propria città. Take Over The World, in linea con un testo che sembra voler ergere la band nell’olimpo del rock, è musicalmente un perfetto inno, di quelli che si cantano a squarciagola in locali gremiti. Ha un ottimo crescendo e un chorus invidiabile ma ripetitivo. Il pezzo successivo, Cross My Heart And Hope To Fly, è in linea con le sonorità di quello precedente e dimostra anch’esso una discreta cura rispetto all’uso della melodia. Si può già però intuire che le liriche sono piuttosto semplici, nonostante abbiano variato un po’ tema rispetto a quelle del primo disco. You Overdid It Doll è il primo singolo dell’album. Il ritornello è assolutamente catchy e il pezzo presenta una buona dose di disco groove (in perfetto stile Kasabian) che mancava nel disco di debutto. A questo punto la qualità del lavoro cala abbastanza, come dimostrano pezzi come The Rest Of The World Has Gone Home, un brano acustico che esalta sì la voce di Fray, ma si rivela inferiore a How Come?, ballad del primo album di ispirazione simile.
Falcon alla fine di tutto è un buon album, che agli amanti del genere farà certamente piacere ascoltare per un po’. Però non è un capolavoro, né l’attestato di maturità che forse Liam Fray voleva mostrare al mondo intero. La ripetitività di certi pezzi e qualche calo nel finale del disco non impediranno certo ai Courteeners di continuare a riempire stadi nella loro Manchester, ma non permetteranno loro, almeno per ora, di impossessarsi delle più grandi platee del mondo come affermano in una delle canzoni di questo LP. 7



We are facing the second LP of Mancunian guys Courteeners, pupils of his majesty Morrissey.
The charisma of arrogant frontman of this band (and markedly Gallagherian, like the rest his look) has always been a double-edged weapon. Liam Fray, in fact, because of its genuine arrogance, tends to generate huge expectations against the band's record releases, which are then promptly rejected. Let's be clear right away. St Jude, the Courteeners debut, was not a bad album. He was very direct, and with some great singles. It was appended to the style of many groups brit-rock era, but had neither the verve nor the maturity necessary to erect the Courteeners as new messiahs of Manchester, as too many magazines had predicted.
This Falcon seems to be more mature and rational.
The sound of the group seem to change and the pieces are much softer and often have parts of piano. There are several orchestral and anthemical arrangements, that wink in the last Elbows, putting aside the Libertines riffs that characterized the debut with the intent to embrace more audience and increase it's credibility as stadium indie-band. Their intention is, however, succeeded only in part.
As already happened in St Jude, the first pieces of the disc are more tasty. The opening track is, for example, perhaps the best of the record. The majestic The opener, already from the first chorus shows a double declaration of love, longing and respect to Manchester and to an hypothetical woman who lives far from this city. The admiration of the band towards the environment that gave birth is a recurring theme in many parts of the album, but, moreover, the Courteeners are truly revered by crowds of their city. Take Over The World, in line with a text that seems to want to erect the band to Olympus of rock bands, is musically a perfect anthem for those who sing their hearts out in rooms crowded. Has an excellent growth and an enviable but repetitive chorus. The subsequent track, Cross My Heart And Hope To Fly, is in line with the sound of the previous one and shows also a good care over the use of melody. But you can already guess that the lyrics are quite simple, although they have changed a bit theme compared to the first disc. You Overdid It Doll is the first single of the album. The refrain is very catchy and the piece has a good dose of hard groove (in pure Kasabian style) that was missing in the debut album. At this point the quality of work falls enough, as evidenced by songs such as The Rest Of The World Has Gone Home, an acoustic song that enhances the voice of Fray, but is also less isnspired than How Come?, a similar ballad of the first album.
Falcon is a good album that lovers of this kind of music will certainly love to hear for a while. But it's not a masterpiece, or the certificate of maturity that maybe Liam Fray wanted to show the whole world. The repetitiveness of certain tracks, and some decline of quality in the final songs will not preclude the Courteeners to fill stadiums in their Manchester, but will not allow them, at least for now, to take possession of largest audiences in the world as claimed in one of the songs of this LP. 7

CONCERT REPORT: 22.02.2010 AC/DC @ ANZ STADIUM (SYDNEY)

Pubblico ora lo sfizioso e apprezzato report che il mio amico Nox mi ha inviato sul live che i grandissimi AC/DC hanno tenuto a fine febbraio in quel di Sydney. Grazie Nox!

"Alright! Il momento è giunto per questo blog di fare un ulteriore salto di qualità dopo il successo sempre maggiore ottenuto recentemente; then let’s go international!
Come primo evento di portata internazionale c’è già da leccarsi i baffi: quello che vi apprestate a leggere è un report dell’ultimo concerto del Black Ice Tour 2010 degli Ac-Dc in Australia, loro patria adottiva..e quale posto migliore se non Sydney, la città in cui hanno mosso i loro primi passi?!?
Premessa: chi vi parla è ovviamente stato in Australia (per l’appunto a Sydney) ed è tuttora in questi giorni e , in pieno stile “Coolness Surfer” uno degli obiettivi di questo viaggio era appunto cercare “some cool stuff” o, in verbo italico: figate! Ora, se pensiamo all’Australia quale altra figata ci viene in mente subito dopo surf sull’oceano, bionde da urlo in spiagge da sogno, canguri e koala?? Io risponderei senza batter ciglio: gli AC-DC!!..ero in cerca di figate al mio arrivo, possibilmente concerti, e sono stato pienamente accontentato!
La cornice è quella del Parco Olimpico di Sydney, ANZ Stadium(gigantesco e con un’organizzazione eccellente): ovviamente sold out come da previsioni. Appena arrivato rimango sconvolto (ma non troppo) dall’età media, parecchio alta, ma soprattutto dalla composizione del pubblico. La maggior parte degli spettatori sono infatti intere famiglie con figli (e figlie) anche piccoli a carico: questi australiani la sanno lunga in fatto di educazione dei pargoli!
L a line-up del concerto prevede in primissima apertura un gruppetto di giovani surf-punker, di cui non ricordo il nome e da cui non sono rimasto per niente impressionato:solita garage band di quelle che riempiono la California; ma qui siamo in Australia e le delusioni finiscono prestissimo! I prossimi sul palco sono i Wolfmother, anch’essi giovani rockettari from Sydney, ma con ben altro talento e soprattutto con un gusto e delle influenze musicali assolutamente degne di nota: ascoltando la chitarra urlante e graffiante del leader Andrew Stockdale non si può non ricondurre la mente a Jimmy Page (personalmente mio chitarrista preferito), Brian May e , ovviamente, Angus Young. I giovani ragazzi, autori di due eccellenti dischi finora, iniziano ad infiammare il pubblico prima dell’arrivo dei loro “zietti” e, seppur ancora non completamente colma, l’arena si scatena al ritmo di pezzi ormai quasi classici come “Woman”, “New Moon Rising” e “Joker & the Thief”. Giudizio eccellente soprattutto vista la ancor giovane età; negli ultimi tempi sono state una delle band che ho più apprezzato e ora la mia stima nei loro confronti è ancora aumentata. Da notare anche come si siano esibiti gratuitamente, qualche giorno prima, nell’Apple Store di Sydney, ovviamente gremito dentro e fuori, nella centralissima George Street, in mezzo a grattacieli, negozi e centri commerciali.
Dopo la loro grande performance ci sorbiamo una buona mezz’ora di pausa in cui l’attesa cresce a livelli irresistibili mentre l’arena si riempie fino all’orlo. La scenografia si prospetta spettacolare come al solito ma l’osservarla contribuisce solo ad accrescere le aspettative…che infine vengono soddisfatte a pieno !
L’entrata sul palco di Angus Young e soci è preceduta da un filmato stile cartone animato pieno di fuoco fiamme metallo e donne libidinose, e poi eccoli!..si precipitano sulla scena in mezzo a scoppi, fumo e altre fiamme e iniziano il loro show con “Rock’n’Roll Train”, primo singolo del loro ultimo disco, canzone senza infamia e senza lode (ma solo perché da loro ci si aspetta sempre qualcosa di esagerato!) ma comunque trascinante fin dal primo riff, e ottima per preparare le folle alla serata di rock che l’attende.
Tra i primi pezzi appare subito la mitica Back in Black,e, subito dopo, una canzone che per i veri fan ha un significato particolare: sto parlando di “The Jack”, pezzo in stile bluesaccio d’annata risalente alla prima formazione della band (quella con il rimpianto Bon Scott); la canzone ha un esplicito significato sessuale ed è lì che le donzelle iniziano a scatenarsi mostrando le loro doti femminili senza troppo pudore sui megaschermi: Angus e Brian saranno ormai vecchi e stempiati ma hanno ancora il loro sex appeal!
Il concerto è un crescendo senza fine, con gli altri tre membri del gruppo (tra cui Malcolm Young, chitarrista e autore di molti pezzi, ma oscurato dal fratello) assolutamente in disparte(anche scenicamente), nonostante la loro bravura:il palco e il pubblico sono tutti per Brian e Angus, l’uno con quella voce calda e roca ma graffiante e l’altra con la sua Gibson Diavoletto nera, nella solita mise da scolaretto. I suoi riff, gli assoli e le movenze sul palco sono un’esperienza che qualsiasi appassionato di rock dovrebbe provare nella vita; non dimostra affatto la sua età e mi lascia shockato per la sua bravura tecnica e scenica.
Altri pezzi degni di nota sono i classici “You shook me all night long”, “TNT”, “Let there be rock” e soprattutto i due pezzi di chiusura: il loro inno “Highway to Hell” e “For those about to rock…we salute you”.
Ed è stato davvero un saluto coi fiocchi, una chiusura straordinaria per quello che è stato forse il concerto più bello della mia vita, in una cornice ambientale e di pubblico straordinaria, e soprattutto in un paese da sogno. Gli AC-DC hanno reso omaggio alla loro città adottiva ma soprattutto Sydney ha accolto gli AC-DC nel modo più caloroso possibile.
Un ulteriore plauso va fatto all’organizzazione (anni luce migliore rispetto a qualsiasi di quelle italiane) e soprattutto alla gente che si è catapultata come un’orda da tutta l’Australia e anche oltre (hotel e ostelli sold out per una settimana, l’ho provato sulla mia pelle) per ammirare i loro idoli.
Un saluto a tutti i lettori, con l’augurio di poter di nuovo essere ospite internazionale gradito per altra cool stuff!
Rock on!"



I post now the tasty and appreciated report that my friend Nox sent me about the live of the great AC / DC, held in late February in Sydney. Thank you Nox!

"Alright! Time has come for this blog to make a leap into the unknown, after the latter succesful times; let’s go international then!
The first big international event is already tasty! What you are going to read is a report of the last concert of the AC-DC Black Ice Tour 2010 in Australia, their adoptive motherland...and is there a best place other than Sydney, the city in which they began rockin’?!?
Premise: who’s speaking has been and currently is in Australia (in Sydney as above) and, in “Coolness Surfer” fashion one of my objectives in this trip was searching for some cool stuff. Now, let’s think for a moment about Australia: what kind of cool stuff comes after surfing on the ocean, hot blondes in dream beaches, kangaroos and koalas? I’d definitely answer: AC-DC!!...I was searching for some cool stuff at my arrival, especially gigs and concerts, and I’ve been totally satisfied!
The location is the Sydney Olympic Park, ANZ Stadium (huge and with a perfect organization): sold out as expected of course. As soon as I get there I am shocked (but not that much) by the average age, pretty high, and most of all by the composition of the audience. The most of the spectators are whole families with small kids (also girls): this aussie guys really know how to educate their lads and lasses!
The concert is opened at the very beginning with a bang of young surf-punkers, whose name I don’t remember and who did not impress me at all: same usual California garage band (even if they are Australian): but here we are in Australia and there’s no space nor time for disappointments!
Next guys on the stage are Wolfmother, young rockers from Sydney themselves, but with a great talent and taste and a lot of remarkable musical influences: when you listen to the screaming and tearing guitar of their leader Andrew Stockdale, you surely bring back your mind and soul to Jimmy Page (my favourite guitar player by the way), Brian May, and, of course, Angus Young. These young guns, authors of two excellent albums so far, start teasing the audience leading it to blowing coming of their “auncle” and, even if not full yet, the arena starts enjoying this awesome night of rock, with songs that are now classics like “Woman”, “New Moon Rising” and “Joker & the Thief”.
My judgement is excellent, especially if we consider their young age; in the last times it has been one of the bands that I most appreciated and now I estimate them even more.
I’d like to stress that some days before, they played for free in the Sydney’s Apple Store, crowded inside in and out, in George Street, in the middle of skyscrapers, stops and malls.
After their great performance it’s time for us to bear a half-an-hour break during which the expectations rise and rise towards the skies, while the arena gets completely full. The scenery looks like awesome and just looking at it our great expectations grow even more, and eventually they are totally satisfied!
The entry on the stage of Angus Young & Co. is anticipated by a cartoon-style clip full of fire, flame, metal and nasty women and then...here they are!..the fall on the scene in the middle of fire, smoke, bursts and blows and start their show with “Rock’n’Roll Train”, first single from their last album, good songs even if not at their highest levels (just because you always expect the best from them), but still enthralling since the first riffs, and excellent in order to prepare the rock night that is waiting for us.
Among the first songs it the great “Back in Black” suddenly appears and right after, a song with a particular meaning for AC-DC fans: I’m talking about “The Jack”, classic old-time blues that they wrote in their earlier years (together with Bon Scott); the song has an explicit sexual meaning and now it’s the moment when the ladies are unleashing their feminine skills on the screen with no shame at all: the old and balding Angus and Brian still have their incredible sex-appeal!
The concert is an endless crescendo, with the other three members (among them there is also Malcolm Young, guitarist and author of many songs, but obscured by his brother Angus) set aside (also scenically): the stage and the audience have eyes just for Brian and Angus, the first with its warm but biting voice, the latter with its black Gibson SG, in its usual high-school suit. Its riffs, solos and moves on the stage are something that every single rock fan should experience in its life; he does not show its age and shocks me because of its scenic and technical ability.
Other remarkable songs are the classics “You Shook Me all Night Long”, “TNT”, “Let There Be Rock” and especially the two closing songs: their anthem “Highway to Hell” and “For Those About to Rock...We Salute You!”
And it was the greatest greeting indeed, an awesome end for what it was possibly the most amazing concert in my life, in an incredible location and with a wonderful audience, and , most all, in a dream-like country. AC-DC homage their adoptive city and Sydney had welcome them in the most warm-hearted way possible.
A special congratulation goes to the organization and especially to the people that arrived as a horde from all over Australia and beyond (hotels and hostels fully booked for a whole week, tried on my own skin!) in order to venerate their idols.
A special greeting to all the readers, with the wish of being again an appreciated international guest for some other cool stuff!
Rock on!!"

THE DRUMS - SUMMERTIME! EP

I drums suonano come degli Smiths approdati improvvisamente in una spiaggia californiana. Dei Joy Division con la passione per il surf.
Insomma, di primo acchito potrebbero sembrare i classici mancuniani tristi che vent’anni fa avrebbero solcato le porte della Factory Records con un contratto sotto mano.
Ma loro sono americani, appunto, però con una grande passione (menzionata più volte nelle interviste dal cantante Johnathan Pierce) per Morrissey e la New Wave.
Ed è così che ascoltando la prima canzone dell’EP, la bellissima Let’s go surfing, pensiamo subito a un inguaribile nostalgico che vuole lasciare le grigie terre di Albione per andare a fare surf in qualche sperduta località marittima, così da trasformare la sua depressione in felicità. La parte fischiata di questo pezzo ha inoltre il potere di fissarsi in testa al primo ascolto.
Make you mine è di nuovo una perla, che ricama su stilemmi da rock anni 50 una melodia azzeccatissima.
Don’t be a jerk, Johnny rimanda ai primi Vampire Weekend, ma il testo è più riflessivo e il mood più malinconico e sognante.
Dopo Submarine, che sembra una canzone dei Cure con inserti di Beach boys-iana memoria, arriviamo al lento Down by the water, a mio parere il brano meno ispirato del disco.
Saddest Summer è il capolavoro dell’ EP partorito da questi tristi ragazzi venuti dalla Florida. Come si deduce dal titolo, non ha niente a che vedere con la classica canzone su un amore estivo, e conferma l’ossessione del gruppo verso le storie infelici uomo/donna e il sole estivo (“Summer’s just beginning, baby. I might learn to hate you, lady. One week and you’re acting crazy. I might have to hate you, baby . This is what I thought it would be. This is the saddest summer ever”). Nonostante il testo pessimistico, il ritornello è talmente trascinante che potrebbe essere un tormentone.
L’ultimo pezzo dell’EP, I Felt Stupid, è di nuovo validissimo. Qui le influenze più palesi (soprattutto nell’ispiratissimo chorus) sembrano quelle di qualche brano di Strangeways Here We Come, ma si scorge qualche occhiolino qua e là ai New Orders d’annata.
Ci troviamo davanti a sette potenziali singoli: molti gruppi indie di oggi ucciderebbero per far suonare così un EP di debutto.
Per sbilanciarmi ulteriormente aspetto il long playing del gruppo, in uscita entro quest’anno. Ma se il buon giorno si vede dal mattino... 10


The drums sounds like the Smiths arrived suddenly in a California beach. Joy Division with the passion of surfing.
Well, at first glance they might seem the classical Mancunian sad guys that twenty years ago would have crossed the gates of Factory Records with a contract in hand.
But they are Americans, indeed, but with a passion (mentioned several times in interviews by vocalist Johnathan Pierce) of Morrissey and the New Wave.
And so listening to the first song of the EP, the beautiful Let's go surfing, you immediately thought of an incurable nostalgic who wants to leave the gray land of Albion to go surfing in some remote place with sea, thus transforming its depression into happiness.
The whistles of this track make you lost your head for the band at first listen.
Make you mine again is a pearl, which embroiders on stilemmi rock from the 50's a melody true bull's eye.
Do not be a jerk, Johnny leads to the first Vampire Weekend, but the text is more reflective and melancholy and with dreamy moods.
After Submarine, which looks like a Cure song with inserts of Beach Boys, we come to the slow Down by the water, in my opinion the less inspired track on the disc.
Saddest Summer is the masterpiece of 'EP, almost a manifesto for the sad boys come from Florida. As is clear from the title, has nothing to do with the classic song about a summer love, and confirms the obsession of the group to the stories unhappy man / woman and the summer sun ( "Summer's just beginning, baby. I might learn to hate you, lady. One week and you're acting crazy. I might have to hate you, baby. This is what I thought it would be. This is the saddest summer ever "). Despite the pessimistic text, the chorus is so catchy that could be a big wheel.
The last piece of the record, I Felt Stupid, is again valuable. Here the most obvious influences (expecially in the great chorus) are some piece of Strangeways Here We Come, but you can see a few winks here and there of New Orders tracks.
We are dealing with seven potential singles: many indie bands of today would kill to sound like this in a debut EP. Now, we must wait the long playing of the group, out this year. But if you see the good days in the morning... 10

BLOOD RED SHOES - LIGHT IT UP

Eccoci giunti finalmente a parlare del nuovo singolo dei Blood Red Shoes, Light It Up, in uscita il 22 di questo mese e secondo estratto dal loro nuovo album in uscita a marzo.
La band di Brighton, composta solamente da due elementi, è balzata agli onori della cronaca grazie a un primo disco molto valido (uscito un paio di anni fa) accompagnato da diversi singoloni.
La ricetta della loro musica si rivela sempre la stessa. Light It Up è un pezzo veloce, dalla batteria martellante e preminente, che come i brani dell’esordio non fa breccia subito ma cresce ad ogni ascolto.
La formazione a là White Stripes, ma a ruoli scambiati, è rimasta anch’essa intatta: le parti cantate sono intonate da entrambi i componenti, Steven e Laura-Mary, che si alternano a seconda delle esigenze del brano.
La chitarra di lei dona alla canzone il sapore punk-garage che già si respirava, ad esempio, in una It’s Getting boring by the sea, anche se qui è il gruppo di versi è uno dei più melodici partoriti dal duo.
A detta dello stesso Steven, il pezzo è caratterizzato da un forte ritmo nelle strofe: un crescendo che tocca il suo culmine nella rabbia del caotico ritornello, formula che rimanda a certi pezzi dei primi Pixies.
Il video, da parte sua, trasmette bene questa sensazione di tensione esplosiva tra immagini di torce e foreste notturne.



I cambi di tempo del singolo si rivelano repentini come quelli dei loro brani migliori, anche se non ci troviamo di fronte a un pezzo da novanta come poteva essere la I Wish I Was Someone Better del primo disco.



Here we are finally talking about the new single by Blood Red Shoes, Light It Up, out this month and the second extract from their new album coming out in March.
The band from Brighton, composed of only two members, jumped to hit the headlines thanks to a very good first album (released a couple of years ago) accompanied by several singles.
The recipe of their music proves to be the same. Light It Up is a bit fast, the drums pounding and prominent, and as the songs of onset does not breach immediately but grows with each listen.
Their formation, similar to the White Stripes, but with swapped roles, has also remained intact: the vocal parts are sung by both components, Steven and Laura-Mary, which alternate depending on the needs of the song.
The guitar gives the song her taste punk-garage which had already started, for example, in a It's Getting Boring by the sea, but here the group of verses is one of the most melodic born from the duo.
According to the same Steven, the piece is characterized by a strong groove in the verses, a crescendo that reaches its culmination in the chaotic fury of the chorus, a formula that refers to certain parts of the early Pixies.
The video, for its part, transmits the feeling of good explosive tension between images of torches and forests at night.

Blood Red Shoes - Light it up

Sreong changes of rhythm are revealed as in their best songs, even though we are not faced with a bigwig as could be the I Wish I Was Someone Better from the first record.

DELPHIC - ACOLYTE

Quello dei mancuniani Delphic è uno debutti più attesi di questo inizio 2010. E’ infatti da almeno sei mesi che l’hype intorno a questa band continua a salire, grazie soprattutto alla particolarità dei loro video e al continuo inserimento in elenchi e classifiche sulle next big thing dell’anno appena cominciato.
Come si intuisce notando l’etichetta di distribuzione del disco, la francese Kitsunè, il gruppo fa dell’elettronica il suo cavallo di battaglia. Fin dal primo pezzo di questo LP, Clarion call, si ergono sfumature sonore che rimandano ai conterranei New Order, anche se senza i picchi qualitativi che caratterizzano molti pezzi della premiata ditta Sumner-Morris-Hook.
La seconda e la terza traccia sono due dei singoli estratti da questo disco. Doubt trapunta su una linea melodica dal sapore eighties un cantato in tipico stile Klaxons. This Momentary è un continuo crescendo ipnotico, ed è conosciuta ai più per l’inserimento in una delle ultime compilation della Kitsunè e per un video musicale, girato a Chernobyl, incredibilmente suggestivo.
Red Lights ci regala un intro che potrebbe ricordare ai più il primo Calvin Harris, ma poi ci stupisce diventando un viaggio elettronico dove le influenze Kraftwerkiane si fanno sempre più palesi. Acolyte, la title track, accentua gli omaggi al gruppo di Dusseldorf. Sono più di otto minuti di follia elettronica e celano il vero manifesto di intenti musicali di questi Delphic. Era forse dai tempi della stupenda La femme d’argent degli Air che non sentivo un tappeto di algidi suoni sintetizzati così convincente. Halcyon è l’ultimo singolo pubblicato, ed è a mio parere il brano più facilmente assimilabile del disco. Potrebbe tranquillamente essere uno dei pezzi meno ispirati di Power, Corruption & Lies dei New Order. Submission ha un inserto chitarristico che rende il pezzo oltremodo godibile. Counterpoint riprende musicalmente i canoni stilistici della title track, ma è più fruibile e avvolgente. La qualità degli ultimi due pezzi è parzialmente inferiore, ma non riesce tuttavia a rovinare l’atmosfera trasognante che regala questo disco. Un album che, nonostante non sia un capolavoro e abbia poco al suo interno di veramente personale e originale, non delude le aspettative create. Gli amanti dell’elettronica e della sperimentazione si ritroveranno ad ascoltarlo e riascoltarlo. 8



Acolyte was one of the most anticipated debuts of this start of 2010. It's been at least six months that the hype around this band continues to rise, mainly due to the peculiarity of their videos and the continued inclusion on lists and charts on the next big thing of the year just begun.
Since chosing the label distribution of the LP, the French Kitsuné, the group makes its electronics workhorse. From the first track of this record, Clarion Call, stand subtleties of sound are reminiscent of fellow New Order, although there are no peaks that characterize many quality songs of Award Winning Sumner-Morris-Hook.
The second and third track are two of the singles from this album. Doubt quilt on a 80's melodic line sung in Klaxons style. This Momentary is a continuous increasing hypnotic, and is known to most people for inclusion in one of the latest Kitsune compilation and a music video, filmed in Chernobyl, incredibly fascinating.
Red Lights gives us an intro that could remind more of the first Calvin Harris, but then surprises us by becoming a trip where the Kraftwerkian electronic influences are becoming increasingly obvious. Acolyte, the title track, emphasizes the homage to the group of Dusseldorf. More than eight minutes of electronic madness, this conceal the true manifest of musical intent of Delphic. It's since the times of the wonderful La femme d'argent by Air that I had not heard of a carpet of algid synthesized sounds so convincing. Halcyon is the last single released, and it is in my opinion the track more easy listening in the disc. Could well be one of the less inspired songs of Power, Corruption & Lies by New Order. Submission has a guitar riff that makes the track extremely enjoyable. Counterpoint resume musically stylistic canons of the title track, but it is more immersive. The quality of the last two songs is partially inferior, but not succeed in ruining the dreamy atmosphere that gives this record. An album that, although not a masterpiece and not really personal and original, does not disappoint the expectations raised. Lovers of electronic music and experimentation will meet to hear and listen to it. 8

CINERECENSIONE: (500) DAYS OF SUMMER

Siccome sono i giorni di San Valentino e io non sono mai stato un inguaribile romantico, tolgo subito il benchè minimo dubbio sulla natura di questa pellicola. (500) Days Of Summer NON è una storia d'amore, e questo ci tiene a precisarlo anche la voce narrante all'inizio del film.
E', anzi, ciò che di più lontano può esserci dalla classica commediola sentimentale, e da quel romanticismo banale e stucchevole che continua a propinarci il cinema italiano di consumo figlio di Moccia e Muccino.
Questo film è la storia di un lui e di una lei. Tom è laureato in architettura e inguaribile romantico. Summer è un'affascinante anticonformista che non confida nell'amore. Entrambi, alla fine della pellicola, dovranno ricredersi sulle loro posizioni, anche se non nel modo in cui tutti si aspetterebbero.
I 500 giorni introdotti nel titolo sono proprio quelli in cui Summer ha fatto parte della vita di Tom, e vengono raccontati senza rispettare l'ordine cronologico degli eventi e soprattutto privilegiando una visuale soggettiva delle situazioni da parte dell'architetto.
Senza voler anticipare nulla a chi non ha ancora visto il film, posso solo dire che questo è un perfetto affresco della contraddizione che spesso scaturisce tra ciò che fantasticamente si idealizza e la realtà spiccia.
La pellicola, nel raccontare l'incontro tra i due protagonisti e le debite consegueze, si dimostra ricco di scene divertenti e battute memorabili (la scena del soprannome di Summer, ad esempio, strappa a chiunque una risata).
Inoltre, la colonna sonora è decisamente sopra la media. Lo si capisce fin dall'inizio, cioè dai deliziosi titoli di testa cullati dalla voce di Regina Spektor e dalla successiva sagace citazione di The Boy With The Arab Strap.
Sono inseriti poi un paio di pezzi degli Smiths, sponsorizzati dalla viscerale passione dei due protagonisti per questo gruppo.
Anche gli stati d'animo di Tom sono perfettamente scanditi dai brani riprodotti del film, dalla sua contentezza dopo la prima serata con Summer (che viene "festeggiata" con un delizioso balletto sulle note di You Make My Dreams di Daryl Hall) alla rabbia provata negli ultimi giorni di questa loro frequentazione, apostrofata dalle note di Vagabond dei Wolfmother.
Il film è girato molto bene, gli omaggi del regista verso il cinema che ama (uno su tutti, il laureato) si sprecano. La città di Los Angeles, teatro delle vicende del film, viene mostrata nella sua parte più tranquilla, e meno familiare ai più.
Gli attori principali sono perfetti nella loro parte. La cinica Zoey Deschanel, se non fosse sposata con Ben Gibbard dei Death Cab, potrebbe essere l'amore della mia vita.
Alla fine vi ritroverete davanti a un'ottima pellicola. Originale, e che difficilmente scorderete: per il suo modo di raccontare le cose e per la sua atmosfera. Un lungometraggio leggero e tragicomico, a cui però ci si può approcciare con una certa riflessività.
Tutto questo deve averlo apprezzato anche la Sony, che ha affidato al regista qui esordiente, Mark Webb, la regia del prossimo Spiderman, sicuro successo ai botteghini di tutto il mondo.



As are the days of Valentine's Day and I've never been an incurable romantic, take off immediately the slightest doubt about the nature of this film. (500) Days of Summer is NOT a love story, and this will be pointed out also by the narrator at the beginning of the film.
Is, indeed, what more can be far from the classic romantic comedy, and from that banal and cloying romanticism that Italian cinema, comsumption son of Moccia and Muccino, continues to administer us.
This film is the story of a man and a woman. Tom has a degree in architecture and is a incurable romantic. Summer is a charming nonconformist who does not believe in love. Both, at the end of the film, should think again about their positions, although not in the way everyone expected.
The 500 days introduced in the title, are the one where Summer has been a part of life for Tom, and are narrated without respecting the chronological order of events and with a particular emphasis on first person view of the situation by the architect.
Without prejudging anything to those who have not yet seen the film, I can only say that this is a perfect painting of contradiction that often arises between what is fantastically idealized and what it stands out.
The film, in recounting the meeting between the two protagonists, and any conseguences, proves rich with memorable characters and funny scenes (the scene of the nickname of Summer, for example, rip anyone a laugh.)
Also, the soundtrack is definitely above average. You can tell from the beginning, from the enticing headlines lulled by the voice of Regina Spektor to the subsequent sagacious quote from The Boy With The Arab Strap.
They there are a couple of pieces of the Smiths, sponsored by the visceral passion of the two protagonists for this group.
Even the mood of Tom are perfectly punctuated by the songs played in the film, from his delight after the first night with Summer (which is feted with a lovely dance to the tune of "You Make My Dreams Daryl Hall) to the rage of the last days apostrophate with the notes of Vagabond by Wolfmother.
The film is shot very well, quotes of the film to the cinema he loves (one for all, The Graduate) are wasted. The city of Los Angeles, the scene of the events of the movie, is shown in its more quiet and less familiar to most.
The main actors are perfect in their part. The cynical Zoey Deschanel, if not married to Ben Gibbard of Death Cab, could be the love of my life.
Eventually you will find yourself in front of a great film. Original, and unlikely to forget because of his way of telling things and its atmosphere. A lightweight and tragicomic film, which, however, we can approach with a degree of reflexivity.
All this must have also appreciated the producers, which have appointed the here debutant, Mark Webb, as director of the next Spiderman, probably successful at the box office around the world.