INTERPOL - INTERPOL

Posto qui una mia recensione dell'ultimo disco degli Interpol, fatta per il solito Arts Club che, dato il successo ottenuto, è stato integrato a pieno titolo nella sezione musicale di Paper Street.

INTERPOL - INTERPOL (2010)















Here you have my review of the last Interpol album, as usually made for Arts Club, that finally has been fully integrated into the music section of Paper Street.

INTERPOL - INTERPOL (2010)

WAVVES - KING OF THE BEACH

Dopo il tremendo pasticcio del Primavera dell'anno scorso, Wavves, indiscusso paladino dello shitgaze made in USA, prova ancora a salire sulla cresta dell'hype con un nuovo e interessante album, King Of The Beach.
Già dal nome, si intuisce che anche in questa terza fatica di Nathan Williams gli echi surf faranno capolino, tra ritmi punk-noise e sperimentazioni psichedeliche.
Il disco è in uscita qui da noi il 27 di Agosto, ma l'artista ha già lasciato circolare su Pitchfork il brano Post-Acid, che pare testimoniare l'abbandono del suono lo-fi che lo caratterizzava fin dalle origini.
Questa sensazione viene confermata da altri nuovi brani reperibili in rete, tra i quali spicca la title track King Of The Beach per freschezza e ispirazione.



Degna di nota è anche la copertina dell'LP, deliziosamente trash.



After the terrible mess of Primavera Festival last year, Wavves, undisputed champion of shitgaze made in USA, try going up on the crest of hype with an interesting new album, King Of The Beach.
Just with the record name, you realize that even in this third effort from Nathan Williams echoes of surf pop are present, between noise-punk rhythms and psychedelic experimentation.
The album is coming out in Italy on August 27th, but is already available on Pitchfork the track Post-Acid, which seems to testify to the abandonment of the lo-fi sound that originally characterized Wavves sound.
This feeling is confirmed by some new songs available online, among them the title track King Of The Beach, the best one for freshness and inspiration.

Wavves - King Of The Beach

Worthy of note is also the cover of the LP, deliciously trashy.

GLI ASCOLTI ESTIVI DI COOLNESS SURFER

L'estate, nonostante il brutto tempo degli ultimi giorni, è ormai in dirittura d'arrivo. Non c'è quindi momento migliore di questo per introdurvi a quella che sarà la probabile colonna sonora della calda coolness summer.
Gli ascolti musicali, soprattutto nella stagione estiva, sono fondamentali per catalizzare momenti della propria vita, che siano giornate passate a guardare deludenti partite di mondiali in tv oppure caldi pomeriggi in spiagge assolate. A ruota vi propongo gli album che mi faranno probabilmente compagnia nei prossimi tre mesi. Probabilmente se ne aggiungeranno altri, ma voglio qui soffermarmi su quelli più adatti al mood vacanziero.

The Drums - The Drums
I drums, il cui disco d'esordio è uscito qui nei primi giorni di giugno, sono come sapete tra i pupilli di questo blog. Con il loro primo omonimo album non deludono le aspettative, confezionando un LP con dodici pezzi (alcuni già conosciuti) conditi da uno stile vintage ormai inconfondibile, che tra coretti surf-rock e ritmiche visceralmente post-punk conservano sempre un hook melodico quasi irresistibile.

Perchè mi accompagnerà durante l'estate
Un disco letteralmente in grado di farti saltellare. Magari in spiaggia, correndo a perdifiato, e urlando a squarciagola "Wake up, it's a beautiful morning...". Come nel celebre video di Let's Go Surfing, loro vero cavallo di battaglia.

Surfer Blood - Astro Coast
I Surfer Blood sono giovani ragazzi venuti dalla Florida, giunti agli onori delle cronache musicali grazie all'azzeccato singolo Swim, che sembra Needle in the Camel's Eye coverizzata dai Weezer. Ascoltando il loro album, ci si accorge che le influenze sono comunque molteplici, e spaziano da quelle Weezeriane del singolo di debutto (che caratterizzano gli episodi più riusciti) a quelle noise alla Sonic Youth, di pezzi come Take It Easy.

Perchè mi accompagnerà durante l'estate
Già il nome del gruppo e quello del disco (tale Astro Coast) ne suggeriscono l'ascolto in calde giornate al mare. I riff surf rock, sempre molto catchy, e i testi estivo-adolescenziali sono poi una conferma dell'attitude estiva di questo disco.

Vampire Weekend - Contra
Il secondo disco dei prodigiosi newyorkesi Vampire Weekend, unisce ai freschi suoni afro-pop del primo lavoro una manciata di inserti elettronici che evolvono i ritmi del gruppo senza farne perdere i tratti distintivi. I testi sono come sempre ironiche riflessioni da studente universitario dell'upper class americana, e, come le canzoni del gruppo, o si amano o si odiano. Coolness Surfer li ama alla follia.

Perchè mi accompagnerà durante l'estate
Nonostante il disco sia uscito nelle fredde giornate di gennaio, i suoni caldi e i temi di questo disco (Horchata e Holiday su tutte)lo rendono perfetto per ascolti intensivi nei mesi più afosi e tranquilli dell'anno.

Infine qualche consiglio sugli album in uscita.


L'album (in uscita il 27 di luglio) che potrebbe sicuramente diventare un ascolto intensivo nel prossimo mese di agosto è sicuramente Crazy For You di Best Coast, all'anagrafe Bethany Cosentino. Le melodie estive e lisergiche della giovane cantante mi hanno già ammaliato grazie anche a grandi performance nei primi festival estivi. Pezzi come When I'm With You e The Sun Was High (So Was I) sono poi perfette sonorizzazioni di tranquille sbronze estive e amori appassionati che non continueranno. Disco licenziato Mexican Summer.



The summer, despite the bad weather of recent days, is now in the pipeline. There's no better time than now to introduce you to what will be the likely soundtrack to the hot summer of the coolness.
The music, especially in summer, it's also a key to catalyzing moments of our lives, like disappointing days spent watching world cup football matchs on TV or hot afternoons in sunny beaches. I will propose the albums that I probably love and listen in the next three months. Probably more LP's will be added, but I want to dwell on those because of their holiday mood.

The Drums - The Drums
The drums, whose debut album was released here in early June, are, as you know, the pupils of this blog. With their first self-titled album they haven't disappointed expectations, tailoring an LP with twelve pieces (some already known) topped by a vintage style now unmistakable, defined by surf-rock choruses and visceral post-punk rhythms, but still with almost irresistible melodic hooks.

Why it will accompany me during the summer
A record that can literally make you jump. Maybe on the beach, running at breakneck speed, and loudly shouting "Wake up, it's a beautiful morning ...". As in the famous video of Let's Go Surfing, their true workhorse.

Sufer Blood - Astro Coast
Surfer Blood are four young boys who came from Florida; they reached the headlines of alternative music charts with lead single Swim, which seems Needle In The Camel's Eye coverized by Weezer. Listening to their album, one realizes that the influences are still many, ranging from the Weezerian ones of their debut single (featured in the most successful episodes of the lp) to the noise Sonic Youth in tracks like Take It Easy.

Why it will accompany me during the summer
The name of the group and that of the record (Astro Coast) already suggest the listening near the sea on warm days. The surf rock riffs, always very catchy, and the teen-friendly lyrics are a confirmation of the summer attitude of this album.

Vampire Weekend - Contra
The second record of prodigious Yorkers Vampire Weekend, combining the fresh sounds of Afro-pop of the first album with handful inserts of electronic rhythms, that develop the work of the band without making them lose their distinctive features. The lyrics are as always ironic reflections from the upper class American college student, and like the songs of the pop group, you can hate them or love them. Coolness Surfer loves them to madness.

Why will accompany me during the summer
Although the disc debouted in the cold days of January, the warm sounds of the songs of this album (Horchata and Holiday above all) make it perfect for intensive listening in months of quiet and sultry.

Finally some advice on upcoming albums
The album (out on July 27th) that could definitely be an intensive listen in the coming month of August is definitely Crazy For You by Best Coast, aka Bethany Cosentino. The lisergic summer melodies of the young singer already captivated me also with great performances in the first summer festivals. Songs like When I'm With You and The Sun Was High (So Was I) are also perfect for design with sounds quite summer hangovers and passionate loves that will not continue. Record licensed by Mexican Summer.

MI AMI 2010: IL FESTIVAL DELLA MUSICA BELLA E DEI BACI

L'inizio dell'estate fa da perfetta cornice al mood festivaliero.
Come potrete immaginare, non mi sono certo lasciato sfuggire l'occasione di partecipare alla sesta edizione di quella celebrazione di musica alternativa tutta italiana che risponde al nome di MI AMI. E' stata una gran festa, lo devo ammettere.
E nonostante la cornice della maggior parte di questi eventi dia spesso l'impressione di voler attirare più l'ambiente alternativo poser e presenzialista che quello realmente interessanto ai suoni nostrani emergenti e di qualità, direi che quest'anno la musica ha vinto, ha fatto da padrona.
Lo si capiva già dalla set list, intendiamoci. Si spazia dagli istrionici Bud Spencer Blues Explosion, agli esordienti Buzz Aldrin, ai nomi di punta delle serate del Pertini. Delle proposte musicali più interessanti che ci ha donato quest' inizio anno il nostro paese, manca forse il solo Samuel Katarro.
Se volete sapere nei dettagli com' è andata, non vi resta che leggere l'ultimo numero di Arts Club, in cui vi è una pagina (la numero 3) completamente dedicata al festival e da me interamente curata. Ho, tra le altre cose, anche fatto un resoconto dettagliato delle esibizioni più belle e particolari a cui ho assistito.
Per iniziare al meglio un estate di festival, bella musica, e baci.

Leggi il quarto numero di Arts Club.



The beginning of summer is the perfect setting for the festival mood.
As you can imagine, I haven't certainly missed the opportunity to participate the sixth edition of the celebration of alternative all-Italian music, who answer the name of MI AMI. It 'was a big party, I must admit.
And despite the setting of most of these events often give the impression of wanting to attract more alternative posers that persons who are really interested in our good emerging sounds, I would say that this year's music has won, has made host.
You could tell right from the set list, mind you. It ranges from the histrionics Bud Spencer Blues Explosion, newcomers Buzz Aldrin, and the deans of the evenings in Pertini. There are the most interesting musical proposals that gave us this beginning of the year our country, perhaps the only missing is Samuel Katarro.
If you want to know in detail how is gone, you just have to read the latest issue of Arts Club, where there is a page (number 3) completely dedicated to the festival and written by me. I, among other things, made a detailed account of the most beautiful and unique performances I attended.
We have to begin a summer of festivals, beautiful music, and kisses.

Read Arts Club number four.

Arts Club: on-line il terzo numero.

Questa settimana su Arts Club si trattano gli argomenti più disparati, e si passa da un interessante profilo sul duca bianco a un resoconto dettagliato di una serata nel celebre locale da cui prende il nome il suddetto giornale.
Si parla poi di Dum Dum, Girls, The National e vi è una sezione molto più corposa di recensioni.
Di tre di queste (LCD Soundsystem, Gorillaz e Broken Bells) si è occupato il sottoscritto.
Cosa aspettate a leggerle e dirmi cosa pensate?

Leggi il terzo numero di Arts Club.



In this week's Arts Club we are treating varios topics that goes from an interesting profile on white duke to a detailed account of an evening in the famous club to which it is named this magazine.
We also speak of Dum Dum Girls, The National and there's a much more substantial section of reviews.
Three of these (LCD Soundsystem, Gorillaz, and Broken Bells) were written by myself.
Don't wait to read them, and tell me what you think.

Read Arts Club number three.

Arts Club: on-line il secondo numero.

Esce oggi il secondo numero di Arts Club, magazine quindicinale con cui ho iniziato a collaborare, allegato alla sezione musicale di Paper Street.
Questo numero è dedicato alla memoria di Ian Curtis, visto che è in uscita mercoledì 19 maggio, il giorno dopo il 30° anniversario della sua morte.
In questo numero ci sono molti articoli interessanti, ma vi suggerisco innanzitutto la visione dei 2 scritti dal sottoscritto, che sono entrambi a pagina 4.
Il primo articolo è una riflessione sui frontman che sempre più spesso improvvisano un avventura solista, il secondo è una recensione dell'ultimo, sorprendente, album dei Foals.
Buona lettura!

Leggi il secondo numero di Arts Club.



Today comes the second issue of Arts Club, fortnightly magazine in which I began to work, supplementing the music section of Paper Street.
This issue is dedicated to the memory of Ian Curtis, as it is released Wednesday, May 19, the day after the 30th anniversary of his death.
In this issue there are many interesting articles, but I suggest watching the two written by myself, who are both on page 4.
The first article is a discussion on frontman that even more often improvise a solo adventure, the second is a review of the last, surprising, Foals album.
Enjoy your reading!

Read Arts Club number two.

CONCERT REPORT: 28.04.2010 CRYSTAL CASTLES @ MAGAZZINI GENERALI (MI)

Arrivo con amici ai magazzini generali in discreto anticipo per godermi appieno l’unica data dei Crystal Castles in Italia, ma non riusciamo comunque ad assistere all’esibizione dell’opener Tim Ghost.
C’è parecchia gente, già nello spazio adiacente al locale: tutto questo non stupisce, perché i Crystal Castles hanno saputo guadagnarsi grande fama negli ultimi tre anni, passando velocemente dal fenomeno Myspace alla firma per una sussidiaria della Universal.
L’ultimo mercoledì di aprile si rivela una giornata molto calda, e ciò si dimostra fin da subito un dato poco positivo all’interno di un locale come i magazzini, gremito come nelle grandi occasioni.
Riesco anche a scambiare un paio di parole con Ethan prima del concerto e mi sembra disponibile, anche se non molto lucido: mi dice che spera di riuscire a tirare fuori un gran live.
Ho giusto il tempo di dare un’occhiata al consueto spazio merchandising (faccio subito mia una delle loro “Madonna” t-shirt che ho sempre adorato), quando Alice e Ethan salgono sul palco, accompagnati da un batterista.
Il duo di Toronto parte con Fainting Spells, brano di apertura del loro nuovo omonimo disco. Alice Glass dimostra fin da subito un carisma e una personalità invidiabili: gli occhi del pubblico sono tutti verso di lei, anche se la sua voce nei live si dimostra molto più alterata del previsto. I suoni di Ethan si dimostrano una perfetta cornice ai movimenti ossessivi di Alice, che nonostante i suoi ventun’anni sfodera una presenza scenica da rocker navigata.
Il secondo brano è il magistrale Baptism, pezzo migliore del loro nuovo (poco più che discreto) lavoro e che, a mio avviso, avrebbe dovuto rappresentare l’essenza musicale di questi nuovi Crystal Castles.
Il pubblico dimostra di pensarla come me sulla suddetta canzone, e la accoglie con grande calore. A questo punto il gruppo sfodera un altro jolly, la magnifica Courtship Dating (conosciuta ai più in quanto colonna sonora del telefilm d’oltremanica Skins) tratta dal proprio esordio.
Successivamente vi è un trittico di nuovi pezzi: Celestica, Doe Deer e Emphaty. Di queste tre, l’ultima mi ha veramente convinto solo nella sua versione live, più energica e grezza.
A questo punto la situazione all’interno del locale è già diventata ingestibile, grazie al pogo rovente ma soprattutto al crowdsurfing di Alice, che inizia a buttarsi più volte tra il pubblico delle prime file facendosi tenere a stento dalla security.
La folla dimostra di apprezzare, partecipa ancora più attivamente all’esecuzione dei pezzi e quando arriva il momento di Alice Practice (suonata dopo Air War e Crimewave, che rimane secondo me l'episodio migliore della intera discografia del duo) ne urla anch’esso la ormai conosciutissima melodia.
Dopo un altro riempipista tratto dal loro nuovo lavoro (la secondo me quasi anonima Intimate) e meno di un ora di frenetico live, il gruppo ci lascia, con un po’ di amaro in bocca, già in attesa dell’encore.
Dopo il veloce ritorno sul palco il gruppo propone al pubblico l’energica Black Panther e il B-Side Yes No.
Nonostante la acustica non proprio ineccepibile (anche causa posizionamento casse forse un po’ troppo creativo) e la breve durata dell’esibizione, i Crystal Castles hanno dato prova di saper creare un live coinvolgente e divertente. Alice Glass poi è una forza della natura, e dopo il suddetto concerto credo abbia fatto breccia in molti cuori (tra cui il mio).
Peccato per quel secondo album un po’ sconclusionato, che avrebbe forse dovuto seguire di più le ultime intuizioni musicali dei meno celebri HEALTH.



I arrive with friends at Magazzini generali quite early to fully enjoy the only italian date of Crystal Castles, but I still fail to attend the exhibition of the opener Tim Ghost.
There is a lot of people already in the space adjacent to the club: this is not surprising, because the Crystal Castles have been able to earn great fame in the last three years, moving quickly from MySpace phenomenon to sign for a subsidiary of Universal.
The last Wednesday of April, reveals a very hot temperature, and this proves to be quite disappointing in a place like the magazzini, crowded as in the big occasions.
I can also exchange a few words with Ethan before the concert and it seems friendly, though not very lucid: he says he hopes to be able to pull off a great live.
I just have time to check out the usual merchandising space (where I buy one of their "Madonna" t-shirt I've always loved), when Alice and Ethan go up on stage, accompanied by a drummer.
The duo of Toronto begin with Fainting Spells, the opening track from their new self-titled disc. Alice Glass shows immediately an enviable charisma and personality: the eyes of the public are all for her, although her voice in live shows is much more affected than expected. The sounds of Ethan prove a perfect backdrop to the movements of obsessive Alice, who, despite her twenty-one years of age, shows off a stage presence of real rocker.
The second track is the masterful Baptism, best track of their new (slightly more than adequate) LP and is the expression, in my opinion, of what should be the musical essence of the new Crystal Castles.
The crowd clearly agree with me concerning this song, and welcomes it with great fervour. At this point the group pulls out another wild card, the magnificent Courtship Dating (better known as the soundtrack of the british tv show Skins) from their debut album.
Then there is a triptych of new pieces: Celestica, Doe Deer and Emphaty. The third one really convinced me only in its live version, that is more energetic and raw.
At this point the situation within the club has already become unmanageable expecially for Alice crowdsurfing. The singer in fact begins to jump repeatedly between the front rows of the audience, hardly kept from the club security.
The crowd seems to enjoy and partecipate more actively: when begins Alice Practice (played after Air War and Crimewave, which remains in my opinion the best episode of the entire discography of the duo) it also screams the now well-known melody.
After another floorfiller from their new record (that anonymous track called Intimate) and less than an hour of frenetic live, the band leaves us with a bitter taste in mouth, already waiting for encore.
After the quick return on stage the duo offers the public the energic Black Panther and the B-Side Yes No.
Despite the sound not quite flawless (due to a speaker placement a bit too creative) and the short duration of the exhibition, Crystal Castles have demonstrated their ability to create an engaging and entertaining live. Alice Glass is also a force of nature, and after this concert I think he made a open breach in many hearts (including mine).
Too bad that this second album is a bit rambling, perhaps it should have followed the last musical intuitions of the less famous band HEALTH.

SURFER BLOOD - ASTRO COAST

I Surfer Blood testimoniano, se ancora ce ne fosse bisogno, il buon momento di forma che sta vivendo l’indie pop a stelle e strisce, e la Florida (già patria degli ormai celebri Drums) più in particolare.
Astro Coast rappresenta la prima prova per questo gruppo di ragazzotti provenienti da West Palm Beach, che, nonostante le inevitabili pecche di gioventù, può tutto sommato considerarsi superata.
Il disco è caratterizzato per tutti i 40 e più minuti della sua durata da un suono lo-fi prevalentemente chitarristico, infarcito qua e là da citazionismi noise anni 90 ma che si rivela fin dal primo ascolto profondamente eclettico.
I testi del quartetto invece, il più delle volte, farebbero felice il più classico dei Seth Cohen, in quanto spesso teatro di paranoia e inadeguatezza: rispetto al futuro, rispetto all’amore e rispetto alla complicazione dei rapporti interpersonali in generale.
L’influenza in questo caso deriva, più che dai cupi da Death Cab, dagli Shins. Anche la voce del cantante J.P. Pitts è particolarmente simile (soprattutto in certi frangenti) a quella di James Mercer, ma la brillantezza lirica di quest’ultimo si rivela ancora lontana.
Il primo brano, Floating Vibes, dimostra fin da subito la capacità dei Surfer Blood di ricamare su riff di chitarra melodie accattivanti, parlando però di un amaro addio.
Swim è il singolone del disco: trascinante fin dal primo ascolto, ricorda i grandi Weezer del Blue Album.
I due brani successivi procedono, gradevoli e senza intoppi, sulla falsariga di Floating Vibes.
Neightbour Riffs è un gustoso strumentale che reinterpreta la nostalgica surf music dei Beach Boys come molti gruppi, Real Estate su tutti, hanno insegnato ultimamente. Rimane uno dei pezzi più belli dell’LP.
Twin Peaks è un altro pezzo riuscito: il titolo allude alla frustrazione sessuale provata del protagonista nell’utilizzare il divano di un’ amica solo per guardare i film di Lynch.
Slow Jabroni è in perfetto stile Shins, e ci lascia ai due brani che chiudono il disco, che sono Anchorage (forse il pezzo più debole del disco, ci parla di un distacco autoimposto rispetto alle emozioni) e Catholic Pagans, malinconico ma azzeccatissimo finale.
Così, su un quieto “so I have to go” in dissolvenza ,si chiude quest’album.
Un album con pezzi freschi e privo di particolari cali.
Per i più sarà un semplice riempitivo per questa primavera, per gli amanti dell’immaginario dei 90s’ e delle atmosfere marittime dal sapore retrò, sarà invece un fido compagno per gli anni e le estati a venire. 8



Surfer Blood testify the good form that is experiencing the indie pop in the USA, and particolarly in Florida (former home of the now famous Drums).
Astro Coast is the first test for this group of boys from West Palm Beach, and despite the inevitable pitfalls of youth, may after all be surpassed.
The disc features in his 40 minutes a predominantly lo-fi guitar sound, peppered here and there quotations from noisepop of the 90s' and is since the first listen deeply eclectic.
The texts of the quartet, in most cases, would satisfy the classic Seth Cohen, because his constant references too paranoia and inadequacy: about the future, about love and about the complexity of interpersonal relationships in general.
The influence here can be found in the the Shins rather than in the darker Death Cab. Even the singer's voice J.P. Pitts is very similar (especially in certain parts) of James Mercer tone, but the lyrical brilliance of the Shins' singer it is even far away.
Floating Vibes, the first track, shows immediately the ability of Surfer Blood to embroider guitar riffs and catchy melodies.
Swim it's the main single of the LP: gripping from the first listen, recalls the great Weezer's Blue Album.
The two subsequent tracks carry on pleasing, and smoothly along the lines of Floating Vibes.
Neightbour Riffs is a tasty instrumental, surf-music inspired, that reinterprets the the Beach Boys sounds as many groups (Real Estate, for example) have taught recently. Remains one of the finest tracks of the record.
Twin Peaks is another good song: the title alludes to the sexual frustration of the protagonist, forced to use the sofa of a friend only girl to watch movies of Lynch.
Slow Jabron it's a Shins style song, and leaves us with the two tracks that close the LP, which are Anchorage (perhaps the weakest song of the record) and Catholic Pagans, that fits perfectly as melancholy final track of the record.
So, on a quiet "I know I have to go" the album fade.
An album with fresh and spare no special drops.
A fresh album that, for lovers of 90s imaginary and retro-surf feeling, it will be a faithful companion for years and summers to come. 8

L'ANGOLO DEL DESIGN: “!” MOMENT

di Mattia Fossati

Nendo, dal giapponese, letteralmente, “Creta”; materiale versatile che si presta ad infinite applicazioni.
Lo studio di designer giapponesi capitanati da Oki Sato si adatta perfettamente a questa descrizione, ed è riuscito a conquistarsi, nel giro di pochi anni, un posto di tutto rispetto all’interno del panorama internazionale del design.
Oki Sato nasce a Toronto, in Canada, nel 1977 e si laurea nel 2002 alla Waseda University di Tokyo; nello stesso anno viene premiato con la medaglia d’oro alla Kazumi International Lighting design e fonda, sempre a Tokyo, lo studio Nendo.
A soli 32 anni Sato può vantare uno studio con due sedi (Milano e Tokyo) che è stato segnalato da Newsweek come una delle migliori 100 piccole aziende giapponesi, numerose menzioni in concorsi internazionali, collezioni esposte al MOMA di New York, al Musee des Arts decoratifs di Parigi ed in altri importanti Musei nel mondo.
Nendo si occupa di design, arredamento di interni ed architettura, con un approccio progettuale mai banale, eclettico e sempre in grado di stupire, al quale si affianca un’attenzione maniacale per l’aspetto formale e funzionale del prodotto.
All’attività progettuale e di comunicazione si unisce l’intensa attività di ricerca che ha portato lo studio alla notorietà grazie ad oggetti che stupiscono ed introducono utilizzi inediti dei materiali di tutti i giorni (è l’esempio della carta per progetti come la “Cabbage Chair”) o che decontestualizzano materiali utilizzati da sempre in altri ambiti, per creare esperienze nuove ed intriganti.
Ne sono un chiaro esempio prodotti come “Polar”, tavolo con struttura in metallo e piano di appoggio in vetro polarizzato, che sovrapposto ad altri, lascia comparire una texture floreale; oppure le famose “Chocolate Pencil” penne di cioccolato da temperare sopra i propri dolci preferiti; o ancora la lampada “Hanabi” che, grazie all’utilizzo di materiale a memoria di forma, si apre come un fiore una volta accesa.
Alla produzione di tipo industriale ed alla collaborazione con aziende del calibro di Cappellini, Oluce, Lexus, De Padova, ecc…, Nendo affianca oggetti prodotti in serie limitate che si affidano all’abilità ed alla manualità degli artigiani locali, creando delle vere e proprie collezioni “esclusive” fortemente legate alla cultura materiale ed al know how del posto.
E’ interessante, a questo proposito, osservare prodotti come la “Cord Chair”, sedia in legno con gambe del diametro di 15 mm, che grazie alla sapienza degli artigiani della Hiroshima Prefecture manufacturing Maruni Wood, ha, inserita all’interno una struttura in tondino metallico del diametro di 9mm.
O ancora la “Fadeout Chair”, sedia che sembra galleggiare nell’aria grazie alla gambe, in materiale acrilico (dipinte manualmente) che si dissolvono lentamente.
Oki Sato ed i ragazzi di Nendo sono la prova delle infinite possibilità che attività come il design ed in generale la ricerca progettuale possono offrire se condotte con capacità e metodo, rendendo i prodotti sempre interessanti e distaccandosi totalmente dall’idea effimera del designer come semplice “stilista” di oggetti.
Come direbbero i ragazzi di Nendo non resta che prepararci per un’altro “!” Moment!



by Mattia Fossati

Nendo, from Japanese language, literally, "Crete": versatile material that lends itself to endless applications.
The study led by Japanese designer Oki Sato fits this description, and managed to win in a few years, a important place on the international scene of design.
Oki Sato was born in Toronto, Canada, in 1977 and graduated in 2002 at Waseda University in Tokyo. In the same year was awarded with the gold medal at the International Lighting Design Kazumi and he based, again in Tokyo, the study Nendo.
The just 32 years old Sato boasts a studio with two offices (Milan and Tokyo) that was reported by Newsweek as one of the best 100 small Japanese companies, with many mentions in international competitions, collections displayed at MOMA in New York, at Musee des Arts Decoratifs in Paris and in other major museums in the world.
Nendo covers design, interior design and architecture, with a design approach not boring, eclectic and always able to surprise, accompanied by maniacal attention to the formal and functional product.
Work in design and communication is combined with the intense research that led to the study of objects that amaze and introduce use of unpublished material every day (an example is the paper for projects like the "Cabbage Chair ") or materials used decontextualize always elsewhere, to create new and intriguing experience.
Clear example of this are products such as "Polar" table with metal frame and polarized glass shelf, which overlapped with other leaves shows a floral texture; or the famous "Chocolate Pencil" useful to temper chocolate on your favorite desserts, or even the"Hanabi" lamp that, with the use of shape memory material, opens like a flower once turned on.
Between the industrial production, the collaboration with companies such as Cappellini, Oluce, Lexus, De Padova, etc ... Some Nendo objects are produced in limited series that rely on the skill and craftsmanship of local artisans, creating real collections "exclusive" strongly linked to material culture and know-how of the place.
It 's interesting in this regard, see the product "Cord Chair", with wooden chair legs with a diameter of 15 mm, in wich the wisdom of the craftsmen of Hiroshima Prefecture manufacturing Maruni Wood inserted inside a structure metal rod with a diameter of 9mm.
Or the "fadeout Chair, a chair that seems to float in the air thanks to the legs, acrylic (hand painted) that dissolve slowly.
Oki Sato and Nendo boys are proof of the infinite possibilities that activities such as design and general design research can offer if conducted with skill and method, making the products more attractive and totally separated from the idea of designers as mere ephemeral items.
As Nendo boys say do all you gonna do is prepare yourself for another "!" Moment!

CARIBOU - SWIM

In alcune, rare, occasioni il titolo e la copertina di un album possono rivelarsi un chiaro affresco del processo creativo utilizzato da un musicista per approcciarsi alla sua opera.
Questa ultima fatica del polistrumentista canadese Caribou (ex Manitoba) ne è una palese prova.
Il titolo dell’Lp, Swim, e il vortice dai colori caldi che fa capolino sulla copertina dal minimale sfondo nero, ci danno la giusta percezione visiva di quello che sentiremo appena avremo pigiato play per ascoltare il disco.
Un flusso di suoni ipnotici e psichedelici ma profondi, caratterizzati da un raggio di effetti ondeggianti e densi, atti a plasmare una musica elettronica in cui i ricorsi citazionistici (che spaziano dalla minimal all’attitudine danzereccia DFA, passando attraverso il folk-soul della bellissima Jamelia) si sprecano, ma vengono reinterpretati alla perfezione proponendo un sound eclettico ma accessibile.
Con Swim, Caribou si permette di nuotare, appunto, in atmosfere che sono, in molti brani, più calde di quelle delle normali opere elettroniche.
Questo perché i pezzi di quest’album sono frutto di una perfetta commistione tra suoni sintetici, inserti chitarristici e addirittura incursioni fiatistiche (vedi Leave House, pezzo a tratti etnico ma con un beat alla LCD Soundsystem).
Il singolo e prima canzone del disco, Odessa, è la quint’essenza di questa attitudine compositiva: qui Caribou gioca un po’ a fare il James Murphy, e un po’ il Panda Bear della situazione (una attitudine che si ripresenterà in Bowls, che spicca per svariate incursioni di archi e cowbells).
Si può ancora citare Kaili, brano tra i migliori del disco e in cui il cantato assume un ruolo chiave nella resa emotiva del pezzo, testimoniando ancora una volta che l’intenzione è quella di umanizzare più possibile certi suoni robotici.
Swim è insomma un album che, nonostante la sperimentazione, brilla di luce propria in praticamente ogni pezzo e che, nonostante non segua il sentiero folk-tronico che Caribou aveva tracciato con Andorra, riesce a dimostrare abilità e verve compositiva. 9



In some, rare occasions the title and the album cover can be a clear fresco of the creative process used by a musician in approach to his work.
This last effort of the Canadian multi-instrumentalist Caribou (formerly Manitoba) it is a manifest proof.
The title of the LP, Swim, and the vortex of warm colors peeping out from the cover minimal black background, give us the right visual perception of what we feel once we press play to listen to the disc.
A stream of sounds, hypnotic and psychedelic but deep, featuring a range of effects flowing and dense, capable of shaping an electronic music that appeals citationistical (ranging from minimal attitude dancy DFA, through the folk-soul of the beautiful Jamelia) but reinterpreted to perfection by proposing an eclectic but accessible sound.
With Swim, Caribou is allowed to swim (that's it) in atmospheres that are, in many songs, warmer than normal electronic works.
This is because the tracks of this album are the result of a perfect blend of synths, guitar and even raids flute inserts (see Leave House, sometimes ethnic piece but with a beat to LCD Soundsystem).
The single and first song on the disc, Odessa, is the quintessence of this compositional attitude: Caribou here plays a little 'to do the James Murphy, and a bit' the Panda Bear of the situation (an attitude that will recur in Bowls, that stands for several incursions of strings and cowbells).
I can still quote Kaili, one of the best track of the disc where the singing takes on a key piece in the emotional appeal of the song, testifying once again the clear intention is to humanize certain robotic sounds.
Swim is an album that, despite testing, shines its light on virtually every piece, and although not follow the path folk-tronic that Caribou had begun with Andorra, is able to demonstrate skill and verve composition. 9

L'ANGOLO DEL DESIGN: SMART MATERIALS E LORO APPLICAZIONE

di Mattia Fossati

Il mondo è in costante movimento, il cambiamento si fa sempre più veloce, e la tecnologia, parte integrante della nostra vita, è diventata indispensabile ed ha aperto, in tutti i campi, nuove strade di cui non si vede la fine.
Il settori del design e dell’architettura si sono avvalsi da sempre (e sicuramente hanno contribuito) dello sviluppo tecnologico, in particolare di quello dei nuovi materiali e delle correlate tecniche di produzione.
Da qualche anno a questa parte hanno assunto crescente importanza (in ambito progettuale) i cosidetti “Smart Materials”, materiali altamente performanti in grado di fornire prestazioni al di fuori della norma ; questi materiali diventano “furbi” grazie alla loro particolare composizione, all’additivazione di sostanze o altri materiali, o ancora, grazie all’inclusione, al loro interno, di dispositivi digitali.
I materiali riconducibili alla categoria “smart” sono tantissimi e le applicazioni nel campo del design ed in generale della progettazione sono praticamente infinite.
Basti pensare ai materiali piezoelettrici, che creano energia quando compressi, ai materiali a memoria di forma, che tornano sempre alla forma di partenza o a quella che l’utente ha voluto imprimere; a quelli che tengono sotto controllo il Ph, piuttosto che la temperatura corporea o la sudorazione, oppure a quelli antibatterici ed antiodore (solitamente grazie all’inclusione di ioni d’argento); o ancora i vetri autopulenti (grazie alla presenza di biossido di titanio). Ed infine, quelli di cui mi occuperò nello specifico, e che si prestano ad applicazioni più “giocose”, i materiali che includono inchiostri termocromici, capaci di cambiare colorazione in base alla temperatura e di tornare allo stato originario quando la reazione finisce.
Negli ultimi tempi si sono confrontati con questi materiali centinaia di designer, dai più blasonati ai più sconosciuti; i risultati non sempre sono stati esaltanti ma sicuramente hanno contribuito ad aprire nuovi scenari e nuovi mondi rispetto alle capacità emozionali che coinvolgono un determinato materiale ed il rapporto tra l’utente ed esso.
Basti pensare al cemento “Solid Poetry” creato da S. Happle e F. Molenschot, del gruppo olandese Droog Design, gruppo già molto noto per l’attività di ricerca che svolge e per oggetti diventati, nel corso di pochissimi anni, dei “classici” come la “85 Lamps” o la “Milk Bottle Lamp”.
Il cemento creato dai due designer reagisce a contatto con a pioggia ( e più semplicemente con l’acqua) lasciando apparire una texture floreale, serigrafata direttamente sul cemento con inchiostro termocromico.
Altro prodotto degno di nota, anche se ancora in fase di sviluppo, che sfrutta lo stesso principio, è la tovaglia “Underfull” della designer Kristine Bjaadal, designer che da sempre si occupa, più che della linea di un prodotto, dell’esperienza che esso è in grado di regalare all’utente.
La tovaglia in questione ripensa e ridisegna completamente le dinamiche che ruotano attorno al classico incidente da tavola: rovesciare bibite, acqua, vino, ecc…..
Quando una bevanda viene rovesciata sulla tovaglia compare una texture rappresentante delle farfalle che trasforma quindi l’incidente in un’esperienza affascinante e divertente.
L’artista Shi Yuan, invece, ha creato, grazie a questa tecnologia, una carta da parati con rappresentato un fiore, che si apre e si chiude a seconda della temperatura della stanza.
Di esempi di questo tipo ce ne sarebbero ancora molti ed altrettanti prodotti dello stesso genere sono probabilmente in fase di sviluppo nel momento stesso in cui scrivo.
Non resta che rimanere in osservazione per capire fino a che punto ci si potrà spingere per regalare nuova espressività e brio a oggetti e materiali di tutti i giorni, e fino a che punto si potrà sfruttare quest’”intelligenza” che stiamo dando ai vari sopracitati materiali per migliorare a nostra vita e quella degli altri.



by Mattia Fossati

The world is in constant motion, the change is getting faster, and technology, an integral part of our lives, has become essential and has open in all fields, new roads for which no end in sight.
The fields of design and architecture have always used (and certainly contributed) technology development, especially with the use of new materials and their related production techniques.
For some years now have taken on increasing importance (within design) the so-called "Smart Materials", high performance materials able to provide services outside of the norm, these materials become "Smart" because of their special composition of substances or for their additivity with other materials, or through the inclusion, within them, of digital devices.
The materials linked to the "smart" are lots and the applications in general design are virtually endless.
Just think of the piezoelectric material, which create energy when compressed to Shape memory materials, which always return to the initial form or that the user wished to impress, to those that control the pH, rather than the body temperature or perspiration, or those antibacterial and odor (usually through the inclusion of silver ions); or even the self-cleaning glass (thanks to the presence of titanium dioxide). And finally, those of which I will deal specifically, and that lend themselves to more "playful" applications, the materials include thermochromic inks, able to change color according to temperature and return to the original state when the reaction ends.
Recently, hundreds of designers played with the features of this materials, from
the most renowned to the most unknown, and the results were not always exciting, but they certainly helped to open new scenarios and new worlds with emotional capacities that involve a material and the relationship between you and it.
Just think of the concrete "Solid Poetry" created by S. Happle and F. Molenschot of Dutch group Droog Design, the group already well known for its research activities placed and objects become, in the course of a few years, "classics" (as the "85 Lamps" or "Milk Bottle Lamp").
Cement created by two designers react with rain (and more just with water) open up to reveal a texture of floral silkscreen directly on cement with thermochromic ink.
Another product worth mentioning, although still under development, which exploits the same principle, is the cloth "underfull" of designer Kristine Bjaadal, who always takes care rather than a product line, the experience that the object it's able to give you.
The cloth in question completely rethinks and redesigns the dynamics revolve around the classic incident table: overthrow drinks, water, wine, etc ... ..
When a drink is reversed on the tablecloth displays a texture representative of the butterflies which then turns an accident into something fascinating and fun.
The artist Shi Yuan, however, has set up, thanks to this technology, a paper wall represented by a flower that opens and closes depending on the room temperature.
Probably still many products of the same kind are being developed at the same time I write.
All that remains is to observe and see how far we can push to give new expression to objects and materials of all days, and how far we can exploit this 'intelligence' that we are giving to the various aforementioned materials to improve our lives and that of others.

THE COURTEENERS - FALCON

Ci troviamo davanti al secondo disco dei mancuniani Courteeners, pupilli di sua maestà Morrissey.
Il carisma strafottente del frontman di questo gruppo (di stampo marcatamente gallagheriano, come del resto il suo look) è sempre stato un arma a doppio taglio. Liam Fray, infatti, per via della sua genuina strafottenza, tende a generare enormi attese nei confronti delle uscite discografiche della band, che vengono poi puntualmente disattese. Chiariamoci subito. St Jude, debutto discografico dei Courteeners, non era affatto un brutto album. Era molto diretto, e con alcuni singoli azzeccati. Esso si accodava allo stile di numerosi gruppi brit-rock dell’epoca, ma non aveva né la verve, né la maturità necessaria per ergere i Courteeners a nuovi messia di Manchester, come troppe riviste avevano predetto.
Questo Falcon sembra invece un album meno di pancia, che vorrebbe essere più maturo e ragionato.
Le sonorità del gruppo sembrano cambiate e i pezzi sono molto più soft e hanno spesso parti a pianoforte. Diversi sono gli arrangiamenti orchestrali e i pezzi più anthemici, che strizzano l’occhio agli ultimi Elbows, mettendo da parte i riff alla Libertines che caratterizzavano l’esordio con l’intento di abbracciare una platea stadium-indie e una credibilità maggiore. Il loro intento è, però, riuscito solo in parte.
Come succedeva già in St Jude, i primi pezzi del disco hanno una marcia in più. Il brano di apertura è, ad esempio, forse il migliore del disco. Parlo del maestoso The Opener, che già dalle prime strofe si mostra come una doppia dichiarazione di nostalgia e amore rispetto a Manchester e una ipotetica donna che vive lontano da questa città. Il rispetto e l’ammirazione della band verso l’ambiente che gli ha dato i natali è un tema ricorrente in parecchi pezzi dell’album, ma d’altronde i Courteeners sono veramente osannati dalle folle della propria città. Take Over The World, in linea con un testo che sembra voler ergere la band nell’olimpo del rock, è musicalmente un perfetto inno, di quelli che si cantano a squarciagola in locali gremiti. Ha un ottimo crescendo e un chorus invidiabile ma ripetitivo. Il pezzo successivo, Cross My Heart And Hope To Fly, è in linea con le sonorità di quello precedente e dimostra anch’esso una discreta cura rispetto all’uso della melodia. Si può già però intuire che le liriche sono piuttosto semplici, nonostante abbiano variato un po’ tema rispetto a quelle del primo disco. You Overdid It Doll è il primo singolo dell’album. Il ritornello è assolutamente catchy e il pezzo presenta una buona dose di disco groove (in perfetto stile Kasabian) che mancava nel disco di debutto. A questo punto la qualità del lavoro cala abbastanza, come dimostrano pezzi come The Rest Of The World Has Gone Home, un brano acustico che esalta sì la voce di Fray, ma si rivela inferiore a How Come?, ballad del primo album di ispirazione simile.
Falcon alla fine di tutto è un buon album, che agli amanti del genere farà certamente piacere ascoltare per un po’. Però non è un capolavoro, né l’attestato di maturità che forse Liam Fray voleva mostrare al mondo intero. La ripetitività di certi pezzi e qualche calo nel finale del disco non impediranno certo ai Courteeners di continuare a riempire stadi nella loro Manchester, ma non permetteranno loro, almeno per ora, di impossessarsi delle più grandi platee del mondo come affermano in una delle canzoni di questo LP. 7



We are facing the second LP of Mancunian guys Courteeners, pupils of his majesty Morrissey.
The charisma of arrogant frontman of this band (and markedly Gallagherian, like the rest his look) has always been a double-edged weapon. Liam Fray, in fact, because of its genuine arrogance, tends to generate huge expectations against the band's record releases, which are then promptly rejected. Let's be clear right away. St Jude, the Courteeners debut, was not a bad album. He was very direct, and with some great singles. It was appended to the style of many groups brit-rock era, but had neither the verve nor the maturity necessary to erect the Courteeners as new messiahs of Manchester, as too many magazines had predicted.
This Falcon seems to be more mature and rational.
The sound of the group seem to change and the pieces are much softer and often have parts of piano. There are several orchestral and anthemical arrangements, that wink in the last Elbows, putting aside the Libertines riffs that characterized the debut with the intent to embrace more audience and increase it's credibility as stadium indie-band. Their intention is, however, succeeded only in part.
As already happened in St Jude, the first pieces of the disc are more tasty. The opening track is, for example, perhaps the best of the record. The majestic The opener, already from the first chorus shows a double declaration of love, longing and respect to Manchester and to an hypothetical woman who lives far from this city. The admiration of the band towards the environment that gave birth is a recurring theme in many parts of the album, but, moreover, the Courteeners are truly revered by crowds of their city. Take Over The World, in line with a text that seems to want to erect the band to Olympus of rock bands, is musically a perfect anthem for those who sing their hearts out in rooms crowded. Has an excellent growth and an enviable but repetitive chorus. The subsequent track, Cross My Heart And Hope To Fly, is in line with the sound of the previous one and shows also a good care over the use of melody. But you can already guess that the lyrics are quite simple, although they have changed a bit theme compared to the first disc. You Overdid It Doll is the first single of the album. The refrain is very catchy and the piece has a good dose of hard groove (in pure Kasabian style) that was missing in the debut album. At this point the quality of work falls enough, as evidenced by songs such as The Rest Of The World Has Gone Home, an acoustic song that enhances the voice of Fray, but is also less isnspired than How Come?, a similar ballad of the first album.
Falcon is a good album that lovers of this kind of music will certainly love to hear for a while. But it's not a masterpiece, or the certificate of maturity that maybe Liam Fray wanted to show the whole world. The repetitiveness of certain tracks, and some decline of quality in the final songs will not preclude the Courteeners to fill stadiums in their Manchester, but will not allow them, at least for now, to take possession of largest audiences in the world as claimed in one of the songs of this LP. 7

CONCERT REPORT: 22.02.2010 AC/DC @ ANZ STADIUM (SYDNEY)

Pubblico ora lo sfizioso e apprezzato report che il mio amico Nox mi ha inviato sul live che i grandissimi AC/DC hanno tenuto a fine febbraio in quel di Sydney. Grazie Nox!

"Alright! Il momento è giunto per questo blog di fare un ulteriore salto di qualità dopo il successo sempre maggiore ottenuto recentemente; then let’s go international!
Come primo evento di portata internazionale c’è già da leccarsi i baffi: quello che vi apprestate a leggere è un report dell’ultimo concerto del Black Ice Tour 2010 degli Ac-Dc in Australia, loro patria adottiva..e quale posto migliore se non Sydney, la città in cui hanno mosso i loro primi passi?!?
Premessa: chi vi parla è ovviamente stato in Australia (per l’appunto a Sydney) ed è tuttora in questi giorni e , in pieno stile “Coolness Surfer” uno degli obiettivi di questo viaggio era appunto cercare “some cool stuff” o, in verbo italico: figate! Ora, se pensiamo all’Australia quale altra figata ci viene in mente subito dopo surf sull’oceano, bionde da urlo in spiagge da sogno, canguri e koala?? Io risponderei senza batter ciglio: gli AC-DC!!..ero in cerca di figate al mio arrivo, possibilmente concerti, e sono stato pienamente accontentato!
La cornice è quella del Parco Olimpico di Sydney, ANZ Stadium(gigantesco e con un’organizzazione eccellente): ovviamente sold out come da previsioni. Appena arrivato rimango sconvolto (ma non troppo) dall’età media, parecchio alta, ma soprattutto dalla composizione del pubblico. La maggior parte degli spettatori sono infatti intere famiglie con figli (e figlie) anche piccoli a carico: questi australiani la sanno lunga in fatto di educazione dei pargoli!
L a line-up del concerto prevede in primissima apertura un gruppetto di giovani surf-punker, di cui non ricordo il nome e da cui non sono rimasto per niente impressionato:solita garage band di quelle che riempiono la California; ma qui siamo in Australia e le delusioni finiscono prestissimo! I prossimi sul palco sono i Wolfmother, anch’essi giovani rockettari from Sydney, ma con ben altro talento e soprattutto con un gusto e delle influenze musicali assolutamente degne di nota: ascoltando la chitarra urlante e graffiante del leader Andrew Stockdale non si può non ricondurre la mente a Jimmy Page (personalmente mio chitarrista preferito), Brian May e , ovviamente, Angus Young. I giovani ragazzi, autori di due eccellenti dischi finora, iniziano ad infiammare il pubblico prima dell’arrivo dei loro “zietti” e, seppur ancora non completamente colma, l’arena si scatena al ritmo di pezzi ormai quasi classici come “Woman”, “New Moon Rising” e “Joker & the Thief”. Giudizio eccellente soprattutto vista la ancor giovane età; negli ultimi tempi sono state una delle band che ho più apprezzato e ora la mia stima nei loro confronti è ancora aumentata. Da notare anche come si siano esibiti gratuitamente, qualche giorno prima, nell’Apple Store di Sydney, ovviamente gremito dentro e fuori, nella centralissima George Street, in mezzo a grattacieli, negozi e centri commerciali.
Dopo la loro grande performance ci sorbiamo una buona mezz’ora di pausa in cui l’attesa cresce a livelli irresistibili mentre l’arena si riempie fino all’orlo. La scenografia si prospetta spettacolare come al solito ma l’osservarla contribuisce solo ad accrescere le aspettative…che infine vengono soddisfatte a pieno !
L’entrata sul palco di Angus Young e soci è preceduta da un filmato stile cartone animato pieno di fuoco fiamme metallo e donne libidinose, e poi eccoli!..si precipitano sulla scena in mezzo a scoppi, fumo e altre fiamme e iniziano il loro show con “Rock’n’Roll Train”, primo singolo del loro ultimo disco, canzone senza infamia e senza lode (ma solo perché da loro ci si aspetta sempre qualcosa di esagerato!) ma comunque trascinante fin dal primo riff, e ottima per preparare le folle alla serata di rock che l’attende.
Tra i primi pezzi appare subito la mitica Back in Black,e, subito dopo, una canzone che per i veri fan ha un significato particolare: sto parlando di “The Jack”, pezzo in stile bluesaccio d’annata risalente alla prima formazione della band (quella con il rimpianto Bon Scott); la canzone ha un esplicito significato sessuale ed è lì che le donzelle iniziano a scatenarsi mostrando le loro doti femminili senza troppo pudore sui megaschermi: Angus e Brian saranno ormai vecchi e stempiati ma hanno ancora il loro sex appeal!
Il concerto è un crescendo senza fine, con gli altri tre membri del gruppo (tra cui Malcolm Young, chitarrista e autore di molti pezzi, ma oscurato dal fratello) assolutamente in disparte(anche scenicamente), nonostante la loro bravura:il palco e il pubblico sono tutti per Brian e Angus, l’uno con quella voce calda e roca ma graffiante e l’altra con la sua Gibson Diavoletto nera, nella solita mise da scolaretto. I suoi riff, gli assoli e le movenze sul palco sono un’esperienza che qualsiasi appassionato di rock dovrebbe provare nella vita; non dimostra affatto la sua età e mi lascia shockato per la sua bravura tecnica e scenica.
Altri pezzi degni di nota sono i classici “You shook me all night long”, “TNT”, “Let there be rock” e soprattutto i due pezzi di chiusura: il loro inno “Highway to Hell” e “For those about to rock…we salute you”.
Ed è stato davvero un saluto coi fiocchi, una chiusura straordinaria per quello che è stato forse il concerto più bello della mia vita, in una cornice ambientale e di pubblico straordinaria, e soprattutto in un paese da sogno. Gli AC-DC hanno reso omaggio alla loro città adottiva ma soprattutto Sydney ha accolto gli AC-DC nel modo più caloroso possibile.
Un ulteriore plauso va fatto all’organizzazione (anni luce migliore rispetto a qualsiasi di quelle italiane) e soprattutto alla gente che si è catapultata come un’orda da tutta l’Australia e anche oltre (hotel e ostelli sold out per una settimana, l’ho provato sulla mia pelle) per ammirare i loro idoli.
Un saluto a tutti i lettori, con l’augurio di poter di nuovo essere ospite internazionale gradito per altra cool stuff!
Rock on!"



I post now the tasty and appreciated report that my friend Nox sent me about the live of the great AC / DC, held in late February in Sydney. Thank you Nox!

"Alright! Time has come for this blog to make a leap into the unknown, after the latter succesful times; let’s go international then!
The first big international event is already tasty! What you are going to read is a report of the last concert of the AC-DC Black Ice Tour 2010 in Australia, their adoptive motherland...and is there a best place other than Sydney, the city in which they began rockin’?!?
Premise: who’s speaking has been and currently is in Australia (in Sydney as above) and, in “Coolness Surfer” fashion one of my objectives in this trip was searching for some cool stuff. Now, let’s think for a moment about Australia: what kind of cool stuff comes after surfing on the ocean, hot blondes in dream beaches, kangaroos and koalas? I’d definitely answer: AC-DC!!...I was searching for some cool stuff at my arrival, especially gigs and concerts, and I’ve been totally satisfied!
The location is the Sydney Olympic Park, ANZ Stadium (huge and with a perfect organization): sold out as expected of course. As soon as I get there I am shocked (but not that much) by the average age, pretty high, and most of all by the composition of the audience. The most of the spectators are whole families with small kids (also girls): this aussie guys really know how to educate their lads and lasses!
The concert is opened at the very beginning with a bang of young surf-punkers, whose name I don’t remember and who did not impress me at all: same usual California garage band (even if they are Australian): but here we are in Australia and there’s no space nor time for disappointments!
Next guys on the stage are Wolfmother, young rockers from Sydney themselves, but with a great talent and taste and a lot of remarkable musical influences: when you listen to the screaming and tearing guitar of their leader Andrew Stockdale, you surely bring back your mind and soul to Jimmy Page (my favourite guitar player by the way), Brian May, and, of course, Angus Young. These young guns, authors of two excellent albums so far, start teasing the audience leading it to blowing coming of their “auncle” and, even if not full yet, the arena starts enjoying this awesome night of rock, with songs that are now classics like “Woman”, “New Moon Rising” and “Joker & the Thief”.
My judgement is excellent, especially if we consider their young age; in the last times it has been one of the bands that I most appreciated and now I estimate them even more.
I’d like to stress that some days before, they played for free in the Sydney’s Apple Store, crowded inside in and out, in George Street, in the middle of skyscrapers, stops and malls.
After their great performance it’s time for us to bear a half-an-hour break during which the expectations rise and rise towards the skies, while the arena gets completely full. The scenery looks like awesome and just looking at it our great expectations grow even more, and eventually they are totally satisfied!
The entry on the stage of Angus Young & Co. is anticipated by a cartoon-style clip full of fire, flame, metal and nasty women and then...here they are!..the fall on the scene in the middle of fire, smoke, bursts and blows and start their show with “Rock’n’Roll Train”, first single from their last album, good songs even if not at their highest levels (just because you always expect the best from them), but still enthralling since the first riffs, and excellent in order to prepare the rock night that is waiting for us.
Among the first songs it the great “Back in Black” suddenly appears and right after, a song with a particular meaning for AC-DC fans: I’m talking about “The Jack”, classic old-time blues that they wrote in their earlier years (together with Bon Scott); the song has an explicit sexual meaning and now it’s the moment when the ladies are unleashing their feminine skills on the screen with no shame at all: the old and balding Angus and Brian still have their incredible sex-appeal!
The concert is an endless crescendo, with the other three members (among them there is also Malcolm Young, guitarist and author of many songs, but obscured by his brother Angus) set aside (also scenically): the stage and the audience have eyes just for Brian and Angus, the first with its warm but biting voice, the latter with its black Gibson SG, in its usual high-school suit. Its riffs, solos and moves on the stage are something that every single rock fan should experience in its life; he does not show its age and shocks me because of its scenic and technical ability.
Other remarkable songs are the classics “You Shook Me all Night Long”, “TNT”, “Let There Be Rock” and especially the two closing songs: their anthem “Highway to Hell” and “For Those About to Rock...We Salute You!”
And it was the greatest greeting indeed, an awesome end for what it was possibly the most amazing concert in my life, in an incredible location and with a wonderful audience, and , most all, in a dream-like country. AC-DC homage their adoptive city and Sydney had welcome them in the most warm-hearted way possible.
A special congratulation goes to the organization and especially to the people that arrived as a horde from all over Australia and beyond (hotels and hostels fully booked for a whole week, tried on my own skin!) in order to venerate their idols.
A special greeting to all the readers, with the wish of being again an appreciated international guest for some other cool stuff!
Rock on!!"

THE DRUMS - SUMMERTIME! EP

I drums suonano come degli Smiths approdati improvvisamente in una spiaggia californiana. Dei Joy Division con la passione per il surf.
Insomma, di primo acchito potrebbero sembrare i classici mancuniani tristi che vent’anni fa avrebbero solcato le porte della Factory Records con un contratto sotto mano.
Ma loro sono americani, appunto, però con una grande passione (menzionata più volte nelle interviste dal cantante Johnathan Pierce) per Morrissey e la New Wave.
Ed è così che ascoltando la prima canzone dell’EP, la bellissima Let’s go surfing, pensiamo subito a un inguaribile nostalgico che vuole lasciare le grigie terre di Albione per andare a fare surf in qualche sperduta località marittima, così da trasformare la sua depressione in felicità. La parte fischiata di questo pezzo ha inoltre il potere di fissarsi in testa al primo ascolto.
Make you mine è di nuovo una perla, che ricama su stilemmi da rock anni 50 una melodia azzeccatissima.
Don’t be a jerk, Johnny rimanda ai primi Vampire Weekend, ma il testo è più riflessivo e il mood più malinconico e sognante.
Dopo Submarine, che sembra una canzone dei Cure con inserti di Beach boys-iana memoria, arriviamo al lento Down by the water, a mio parere il brano meno ispirato del disco.
Saddest Summer è il capolavoro dell’ EP partorito da questi tristi ragazzi venuti dalla Florida. Come si deduce dal titolo, non ha niente a che vedere con la classica canzone su un amore estivo, e conferma l’ossessione del gruppo verso le storie infelici uomo/donna e il sole estivo (“Summer’s just beginning, baby. I might learn to hate you, lady. One week and you’re acting crazy. I might have to hate you, baby . This is what I thought it would be. This is the saddest summer ever”). Nonostante il testo pessimistico, il ritornello è talmente trascinante che potrebbe essere un tormentone.
L’ultimo pezzo dell’EP, I Felt Stupid, è di nuovo validissimo. Qui le influenze più palesi (soprattutto nell’ispiratissimo chorus) sembrano quelle di qualche brano di Strangeways Here We Come, ma si scorge qualche occhiolino qua e là ai New Orders d’annata.
Ci troviamo davanti a sette potenziali singoli: molti gruppi indie di oggi ucciderebbero per far suonare così un EP di debutto.
Per sbilanciarmi ulteriormente aspetto il long playing del gruppo, in uscita entro quest’anno. Ma se il buon giorno si vede dal mattino... 10


The drums sounds like the Smiths arrived suddenly in a California beach. Joy Division with the passion of surfing.
Well, at first glance they might seem the classical Mancunian sad guys that twenty years ago would have crossed the gates of Factory Records with a contract in hand.
But they are Americans, indeed, but with a passion (mentioned several times in interviews by vocalist Johnathan Pierce) of Morrissey and the New Wave.
And so listening to the first song of the EP, the beautiful Let's go surfing, you immediately thought of an incurable nostalgic who wants to leave the gray land of Albion to go surfing in some remote place with sea, thus transforming its depression into happiness.
The whistles of this track make you lost your head for the band at first listen.
Make you mine again is a pearl, which embroiders on stilemmi rock from the 50's a melody true bull's eye.
Do not be a jerk, Johnny leads to the first Vampire Weekend, but the text is more reflective and melancholy and with dreamy moods.
After Submarine, which looks like a Cure song with inserts of Beach Boys, we come to the slow Down by the water, in my opinion the less inspired track on the disc.
Saddest Summer is the masterpiece of 'EP, almost a manifesto for the sad boys come from Florida. As is clear from the title, has nothing to do with the classic song about a summer love, and confirms the obsession of the group to the stories unhappy man / woman and the summer sun ( "Summer's just beginning, baby. I might learn to hate you, lady. One week and you're acting crazy. I might have to hate you, baby. This is what I thought it would be. This is the saddest summer ever "). Despite the pessimistic text, the chorus is so catchy that could be a big wheel.
The last piece of the record, I Felt Stupid, is again valuable. Here the most obvious influences (expecially in the great chorus) are some piece of Strangeways Here We Come, but you can see a few winks here and there of New Orders tracks.
We are dealing with seven potential singles: many indie bands of today would kill to sound like this in a debut EP. Now, we must wait the long playing of the group, out this year. But if you see the good days in the morning... 10

BLOOD RED SHOES - LIGHT IT UP

Eccoci giunti finalmente a parlare del nuovo singolo dei Blood Red Shoes, Light It Up, in uscita il 22 di questo mese e secondo estratto dal loro nuovo album in uscita a marzo.
La band di Brighton, composta solamente da due elementi, è balzata agli onori della cronaca grazie a un primo disco molto valido (uscito un paio di anni fa) accompagnato da diversi singoloni.
La ricetta della loro musica si rivela sempre la stessa. Light It Up è un pezzo veloce, dalla batteria martellante e preminente, che come i brani dell’esordio non fa breccia subito ma cresce ad ogni ascolto.
La formazione a là White Stripes, ma a ruoli scambiati, è rimasta anch’essa intatta: le parti cantate sono intonate da entrambi i componenti, Steven e Laura-Mary, che si alternano a seconda delle esigenze del brano.
La chitarra di lei dona alla canzone il sapore punk-garage che già si respirava, ad esempio, in una It’s Getting boring by the sea, anche se qui è il gruppo di versi è uno dei più melodici partoriti dal duo.
A detta dello stesso Steven, il pezzo è caratterizzato da un forte ritmo nelle strofe: un crescendo che tocca il suo culmine nella rabbia del caotico ritornello, formula che rimanda a certi pezzi dei primi Pixies.
Il video, da parte sua, trasmette bene questa sensazione di tensione esplosiva tra immagini di torce e foreste notturne.



I cambi di tempo del singolo si rivelano repentini come quelli dei loro brani migliori, anche se non ci troviamo di fronte a un pezzo da novanta come poteva essere la I Wish I Was Someone Better del primo disco.



Here we are finally talking about the new single by Blood Red Shoes, Light It Up, out this month and the second extract from their new album coming out in March.
The band from Brighton, composed of only two members, jumped to hit the headlines thanks to a very good first album (released a couple of years ago) accompanied by several singles.
The recipe of their music proves to be the same. Light It Up is a bit fast, the drums pounding and prominent, and as the songs of onset does not breach immediately but grows with each listen.
Their formation, similar to the White Stripes, but with swapped roles, has also remained intact: the vocal parts are sung by both components, Steven and Laura-Mary, which alternate depending on the needs of the song.
The guitar gives the song her taste punk-garage which had already started, for example, in a It's Getting Boring by the sea, but here the group of verses is one of the most melodic born from the duo.
According to the same Steven, the piece is characterized by a strong groove in the verses, a crescendo that reaches its culmination in the chaotic fury of the chorus, a formula that refers to certain parts of the early Pixies.
The video, for its part, transmits the feeling of good explosive tension between images of torches and forests at night.

Blood Red Shoes - Light it up

Sreong changes of rhythm are revealed as in their best songs, even though we are not faced with a bigwig as could be the I Wish I Was Someone Better from the first record.

DELPHIC - ACOLYTE

Quello dei mancuniani Delphic è uno debutti più attesi di questo inizio 2010. E’ infatti da almeno sei mesi che l’hype intorno a questa band continua a salire, grazie soprattutto alla particolarità dei loro video e al continuo inserimento in elenchi e classifiche sulle next big thing dell’anno appena cominciato.
Come si intuisce notando l’etichetta di distribuzione del disco, la francese Kitsunè, il gruppo fa dell’elettronica il suo cavallo di battaglia. Fin dal primo pezzo di questo LP, Clarion call, si ergono sfumature sonore che rimandano ai conterranei New Order, anche se senza i picchi qualitativi che caratterizzano molti pezzi della premiata ditta Sumner-Morris-Hook.
La seconda e la terza traccia sono due dei singoli estratti da questo disco. Doubt trapunta su una linea melodica dal sapore eighties un cantato in tipico stile Klaxons. This Momentary è un continuo crescendo ipnotico, ed è conosciuta ai più per l’inserimento in una delle ultime compilation della Kitsunè e per un video musicale, girato a Chernobyl, incredibilmente suggestivo.
Red Lights ci regala un intro che potrebbe ricordare ai più il primo Calvin Harris, ma poi ci stupisce diventando un viaggio elettronico dove le influenze Kraftwerkiane si fanno sempre più palesi. Acolyte, la title track, accentua gli omaggi al gruppo di Dusseldorf. Sono più di otto minuti di follia elettronica e celano il vero manifesto di intenti musicali di questi Delphic. Era forse dai tempi della stupenda La femme d’argent degli Air che non sentivo un tappeto di algidi suoni sintetizzati così convincente. Halcyon è l’ultimo singolo pubblicato, ed è a mio parere il brano più facilmente assimilabile del disco. Potrebbe tranquillamente essere uno dei pezzi meno ispirati di Power, Corruption & Lies dei New Order. Submission ha un inserto chitarristico che rende il pezzo oltremodo godibile. Counterpoint riprende musicalmente i canoni stilistici della title track, ma è più fruibile e avvolgente. La qualità degli ultimi due pezzi è parzialmente inferiore, ma non riesce tuttavia a rovinare l’atmosfera trasognante che regala questo disco. Un album che, nonostante non sia un capolavoro e abbia poco al suo interno di veramente personale e originale, non delude le aspettative create. Gli amanti dell’elettronica e della sperimentazione si ritroveranno ad ascoltarlo e riascoltarlo. 8



Acolyte was one of the most anticipated debuts of this start of 2010. It's been at least six months that the hype around this band continues to rise, mainly due to the peculiarity of their videos and the continued inclusion on lists and charts on the next big thing of the year just begun.
Since chosing the label distribution of the LP, the French Kitsuné, the group makes its electronics workhorse. From the first track of this record, Clarion Call, stand subtleties of sound are reminiscent of fellow New Order, although there are no peaks that characterize many quality songs of Award Winning Sumner-Morris-Hook.
The second and third track are two of the singles from this album. Doubt quilt on a 80's melodic line sung in Klaxons style. This Momentary is a continuous increasing hypnotic, and is known to most people for inclusion in one of the latest Kitsune compilation and a music video, filmed in Chernobyl, incredibly fascinating.
Red Lights gives us an intro that could remind more of the first Calvin Harris, but then surprises us by becoming a trip where the Kraftwerkian electronic influences are becoming increasingly obvious. Acolyte, the title track, emphasizes the homage to the group of Dusseldorf. More than eight minutes of electronic madness, this conceal the true manifest of musical intent of Delphic. It's since the times of the wonderful La femme d'argent by Air that I had not heard of a carpet of algid synthesized sounds so convincing. Halcyon is the last single released, and it is in my opinion the track more easy listening in the disc. Could well be one of the less inspired songs of Power, Corruption & Lies by New Order. Submission has a guitar riff that makes the track extremely enjoyable. Counterpoint resume musically stylistic canons of the title track, but it is more immersive. The quality of the last two songs is partially inferior, but not succeed in ruining the dreamy atmosphere that gives this record. An album that, although not a masterpiece and not really personal and original, does not disappoint the expectations raised. Lovers of electronic music and experimentation will meet to hear and listen to it. 8

CINERECENSIONE: (500) DAYS OF SUMMER

Siccome sono i giorni di San Valentino e io non sono mai stato un inguaribile romantico, tolgo subito il benchè minimo dubbio sulla natura di questa pellicola. (500) Days Of Summer NON è una storia d'amore, e questo ci tiene a precisarlo anche la voce narrante all'inizio del film.
E', anzi, ciò che di più lontano può esserci dalla classica commediola sentimentale, e da quel romanticismo banale e stucchevole che continua a propinarci il cinema italiano di consumo figlio di Moccia e Muccino.
Questo film è la storia di un lui e di una lei. Tom è laureato in architettura e inguaribile romantico. Summer è un'affascinante anticonformista che non confida nell'amore. Entrambi, alla fine della pellicola, dovranno ricredersi sulle loro posizioni, anche se non nel modo in cui tutti si aspetterebbero.
I 500 giorni introdotti nel titolo sono proprio quelli in cui Summer ha fatto parte della vita di Tom, e vengono raccontati senza rispettare l'ordine cronologico degli eventi e soprattutto privilegiando una visuale soggettiva delle situazioni da parte dell'architetto.
Senza voler anticipare nulla a chi non ha ancora visto il film, posso solo dire che questo è un perfetto affresco della contraddizione che spesso scaturisce tra ciò che fantasticamente si idealizza e la realtà spiccia.
La pellicola, nel raccontare l'incontro tra i due protagonisti e le debite consegueze, si dimostra ricco di scene divertenti e battute memorabili (la scena del soprannome di Summer, ad esempio, strappa a chiunque una risata).
Inoltre, la colonna sonora è decisamente sopra la media. Lo si capisce fin dall'inizio, cioè dai deliziosi titoli di testa cullati dalla voce di Regina Spektor e dalla successiva sagace citazione di The Boy With The Arab Strap.
Sono inseriti poi un paio di pezzi degli Smiths, sponsorizzati dalla viscerale passione dei due protagonisti per questo gruppo.
Anche gli stati d'animo di Tom sono perfettamente scanditi dai brani riprodotti del film, dalla sua contentezza dopo la prima serata con Summer (che viene "festeggiata" con un delizioso balletto sulle note di You Make My Dreams di Daryl Hall) alla rabbia provata negli ultimi giorni di questa loro frequentazione, apostrofata dalle note di Vagabond dei Wolfmother.
Il film è girato molto bene, gli omaggi del regista verso il cinema che ama (uno su tutti, il laureato) si sprecano. La città di Los Angeles, teatro delle vicende del film, viene mostrata nella sua parte più tranquilla, e meno familiare ai più.
Gli attori principali sono perfetti nella loro parte. La cinica Zoey Deschanel, se non fosse sposata con Ben Gibbard dei Death Cab, potrebbe essere l'amore della mia vita.
Alla fine vi ritroverete davanti a un'ottima pellicola. Originale, e che difficilmente scorderete: per il suo modo di raccontare le cose e per la sua atmosfera. Un lungometraggio leggero e tragicomico, a cui però ci si può approcciare con una certa riflessività.
Tutto questo deve averlo apprezzato anche la Sony, che ha affidato al regista qui esordiente, Mark Webb, la regia del prossimo Spiderman, sicuro successo ai botteghini di tutto il mondo.



As are the days of Valentine's Day and I've never been an incurable romantic, take off immediately the slightest doubt about the nature of this film. (500) Days of Summer is NOT a love story, and this will be pointed out also by the narrator at the beginning of the film.
Is, indeed, what more can be far from the classic romantic comedy, and from that banal and cloying romanticism that Italian cinema, comsumption son of Moccia and Muccino, continues to administer us.
This film is the story of a man and a woman. Tom has a degree in architecture and is a incurable romantic. Summer is a charming nonconformist who does not believe in love. Both, at the end of the film, should think again about their positions, although not in the way everyone expected.
The 500 days introduced in the title, are the one where Summer has been a part of life for Tom, and are narrated without respecting the chronological order of events and with a particular emphasis on first person view of the situation by the architect.
Without prejudging anything to those who have not yet seen the film, I can only say that this is a perfect painting of contradiction that often arises between what is fantastically idealized and what it stands out.
The film, in recounting the meeting between the two protagonists, and any conseguences, proves rich with memorable characters and funny scenes (the scene of the nickname of Summer, for example, rip anyone a laugh.)
Also, the soundtrack is definitely above average. You can tell from the beginning, from the enticing headlines lulled by the voice of Regina Spektor to the subsequent sagacious quote from The Boy With The Arab Strap.
They there are a couple of pieces of the Smiths, sponsored by the visceral passion of the two protagonists for this group.
Even the mood of Tom are perfectly punctuated by the songs played in the film, from his delight after the first night with Summer (which is feted with a lovely dance to the tune of "You Make My Dreams Daryl Hall) to the rage of the last days apostrophate with the notes of Vagabond by Wolfmother.
The film is shot very well, quotes of the film to the cinema he loves (one for all, The Graduate) are wasted. The city of Los Angeles, the scene of the events of the movie, is shown in its more quiet and less familiar to most.
The main actors are perfect in their part. The cynical Zoey Deschanel, if not married to Ben Gibbard of Death Cab, could be the love of my life.
Eventually you will find yourself in front of a great film. Original, and unlikely to forget because of his way of telling things and its atmosphere. A lightweight and tragicomic film, which, however, we can approach with a degree of reflexivity.
All this must have also appreciated the producers, which have appointed the here debutant, Mark Webb, as director of the next Spiderman, probably successful at the box office around the world.

HADOUKEN! - FOR THE MASSES

Dopo e l'uscita di un singolo/EP M.A.D., che tutto sommato non mi era dispiaciuto, ecco apparire la nuova fatica discografica del gruppo di Leeds.
I nostri paladini del Grindie (così viene etichettato il loro genere) si affidano questa volta a un producer di scuola drum'n'bass, NOISIA, che rende le atmosfere dell'LP più rave-oriented rispetto al loro primo disco.
Musicalmente questo disco non è neanche troppo da buttare, mancano pezzi intensi e particolarmente originali, come Declaration of War e Crank It Up, ma fin dall'inizio dell'album, con Rebirth (che può sembrare sin dal primo ascolto la colonna sonora elettronica dell'ennesimo Mortal Kombat)si capisce che, anche se gli Hadouken hanno cambiato poco nel loro sound, qualcosa di buono nei loro pezzi c'è ancora, come testimoniano Turn The Lights Out e Ugly.
Nonostante il suono renda sempre più omaggio a Prodigy e derivati (pezzi come Bombshock sono qui per testimoniarlo),si respirano ancora le sfumature grime dell'esordio, e il disco è un piccolo concentrato di cattiveria. Gratuita a mio avviso.
Spieghiamoci meglio. Gli Hadouken sono fisicamente cambiati, mettendo da parte i loro vestiti fluorescenti e colorati (new rave inspired) per lasciar spazio ad un outfit più scura. Ma i testi delle loro canzoni, non hanno subito una benchè minima evoluzione.
Se alcuni testi dell'esordio discografico della band (come That Boy, That Girl, oppure la cruenta Liquid Lives) potevano sembrare ai più introspettivi l'ironica critica di una gioventù "drink, smoke, fuck, fight", questo disco ci dimostra che, probabilmente, per gli Hadouken!, questi comportamenti debbano invece essere realmente cool per un ragazzo inglese in tarda adolescenza.
Davanti a miriadi di testi del genere, raffiguranti una gioventù arrabbiata e spaventosamente votata allo sballo e alla perdizione (in maniera talvolta raffazzonata), anche le liriche romantiche e banali di Luke Pritchard, in confronto, sembrano una poesia di Baudelaire.
Il primo disco si chiamava Music for an Accelerated Culture, forse proprio perchè il gruppo vuole ergersi a manifesto di questa nuova gioventù accelerata, i cui principali valori sono rabbia, superficialità e pasticche.
Il nome di questo nuovo LP, For The Masses, inviterebbe a pensare che questa cultura, per gli Hadouken!, debba oltremodo espandersi e fiorire. Ma spero che i giovani d'oggi non siano così rincoglioniti da tendere a dar loro retta. 5

And after the release of a single / EP MAD, of wich, after all, I was not disappointed, here's the new record effort of the group of Leeds.
Our champions of Grindie (as is usually labeled them) rely this time on a drum'n'bass producer, NOISE, which makes the atmosphere LP more rave-oriented than their first album.
Musically this disc is not even too much to throw away, misses tracks particularly intense and inventive, as Declaration of War and Crank It Up, but since the beginning of the album, with Rebirth (which may seem from the first listen to the soundtrack of electronic 'umpteenth Mortal Kombat) you will understand that even if the Hadouken have changed little in their sound, something good in their songs is still there, as evidenced Turn The Lights Out and Ugly.
Despite the sound, making more and more a tribute to Prodigy and derivatives (Bombshock pieces as I am here to testify), you can still feel grime shades of onset, and the LP is a small concentration of malice. Free in my opinion.
Let me explain better. The Hadouken are physically changed, putting aside their fluorescent and coloured clothes (inspired by new rave) to give way to a darker outfit. But the lyrics of their songs, have not undergone even a minimal change.
While some lyrics of the band debut album (like That Boy, That Girl, or the bloody Liquid Lives) could seem, for the more introspectives, the ironic critique of a youth that "drink, smoke, fuck, fight", this record shows that probably for Hadouken!, these behaviors should be really cool and in for an English boy in late adolescence.
Faced with a myriad of texts like that, depicting angry teenagers terribly devoted to pleasure and to destruction (in a botched sometimes), the lyrics are as banal that Luke Pritchard romantic words, in comparison, seems a poem by Baudelaire.
The first album was called Music for an Accelerated Culture, perhaps because the group wants to claim to manifest this new accelerated youth, whose basic values are angry, superficiality and pills.
The name of this new LP, For The Masses, made think this culture, for Hadouken!, should expand and flourish exceedingly. But I hope that the youth, now, is not as fucked up, and therefore tend not to listen to them. 5